viernes, 15 de enero de 2021

ALAIN FERON - Musique Et Politique - enregistrements complets 3 - (AL092)

 

ref: AL092

Autor: ALAIN FERON

título: Musique Et Politique (enregistrements complets 3)

Plantilla:

Alain Feron - composition

Laverne Williams - mezzo

Nouvel Orchestre Philharmonique / Arturo Tamayo

Trio à cordes de Paris

Ensemble Denojours / Fabrice Bollon


fecha de publicación: 16 - en - 2021

Esta edición es una colaboración entre Sounding Arts Collective y Alina Records


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Esta tercera edición de las obras grabadas del maestro Alain Feron contiene tres grandes piezas que inspiran y homenajean momentos y personajes de importancia política universal. Ilustran el pensamiento y la labor social de personas que han quedado en el olvido. Desde la Revolución Francesa hasta la Guerra del Golfo, tenemos mucho rememorar... más que nunca en la época convulsa y sin sentido que vivimos.

La obra “Corps Obscur De La Métamorphose” consiste en una composición para trío de cuerdas dedicada, en seis movimientos, a ciertos hitos dentro del proceso de La Revolución, cuya cadencia ilustra una interpretación de los hechos exquisitamente iluminada por textos de relevancia histórica. Esta estructura se justifica en los comentarios literarios de autores como Malcolm Lowry, Paul Chamberland, Jackes Brault, Gilbert Langevin y Rainer Maria Rilke. La partitura de Feron expresa magistralmente, con rigor libertario, el ambiente presuroso, ilusionado y dispar que debió existir en el transcurso de aquellos momentos, sin obviar los sentimientos humanos embebidos en caos y convulsión. Tal temática obligaría, a cualquier artista, a dar por hecho un recurso grandilocuente como podría serlo una orquesta, mas Alain Feron decide trabajar el programa en formato de trío de cuerdas que, con sus aparentes límites tímbricos, es capaz de representar una amplia gama de motivos expresivos.

“Lejos del cuarteto, que puede considerarse el emblema más bello de la escritura compositiva desnuda, el trío de cuerdas aparece como un hermano pequeño desfavorecido. Más tambaleante, quizás más difícil de manejar (porque se coloca en una posición "intermedia" que resulta incómoda), no obstante sigue siendo el lugar ideal donde la flexibilidad y el rigor de la composición se puede expresar con la mayor privacidad.”

Fragments Pour Un Mausolee” consta de tres movimientos para orquesta, cada uno de ellos dedicado a un escritor o escritora que extendió ideas revolucionarias: Victor Serge (escritor y revolucionario en Rusia), Flora Tristán (pensadora de temprana lucha feminista), Frantz Fanon (intelectual y revolucionario anticolonialista) son las figuras en cuyo pensamiento y actividad el maestro Feron inspira su obra.

Con clara expresividad, Alain Feron denomina “mausoleo” a la conjunción de los fragmentos que constituyen la obra, dejando claro que se trata de pensamientos y vidas que en pleno siglo XXI, cuando ahora son más necesarias, han quedado como piezas muertas de museo. Parece que los tiempos “nuevos” se encargan de rechazar las ideas revolucionarias como caducas,  mientras que abrazan con fervor las ideas medievalistas. Si el lenguaje musical de la “nueva” escuela de Viena no ha sido hoy todavía comprendido y asumido por la mayoría de la población, lo mismo parece ocurrir con las ideas sociales revolucionarias y feministas… no han acabado de fructiferar y han sufrido una muerte prematura arrasadas por un liberalismo del ego… Al menos, merecen un mausoleo; el de las ideas que podrían haberse establecido materialmente, pero que en los tiempos actuales son consideradas como meras utopías: el maestro Alain Feron nos ofrece una impactante y apabullante obra sonora para ello.

“Si hay un mensaje en estos tres movimientos para orquesta, se resume en esta cita de Renan: "El hombre no pertenece a su raza ni a su lengua, sólo se pertenece a sí mismo porque es un ser libre, es decir, un ser moral ”. Por tanto, cada movimiento está dedicado a un escritor revolucionario que luchó por ideas que, lamentablemente, nuestro siglo XXI ha visto desaparecer: la idea de un mundo común a todas las personas, la idea de que la libertad es un derecho universal; y que solo una Persona iluminada puede ser libre.”

Con “Mir Wird Rot Vor Den Augen” Alain Feron expresa el impacto que produjeron en su persona los hechos de la primera Guerra del Golfo. El autor se vio impulsado a dedicar sus recursos artísticos en la consecución de una obra que gritara acerca de la barbarie televisada y compartida en los Medios como una guerra "justa y necesaria". Esta obra de Feron es tan terrible como la desnuda temática que expone: una población expuesta al bombardeo más atroz, masacrada por razones económicas y bajo la justificación de una supuesta guerra santa… contra otra supuesta guerra santa… El Wozzeck de Alban Berg ilustra la inspiración de Feron, apropiándose de algunas notas que acuchillan la partitura en un frustrado grito de rabia.

“Soy muy consciente de que no son unas pocas notas escritas en papel musical las que cambiarán la faz del mundo. Sin embargo, a pesar del aspecto irrisorio de este grito personal arrojado a la inmensidad de un universo sordo, no puedo evitar, por ingenuo que sea, creer que el arte puede cambiar a las personas... al menos, hacerlas pensar, indirectamente.”

Alain Feron is a member of Sounding Arts Colective

PALABRAS DE ALAIN FERON ACERCA DE LAS OBRAS

        CORPS OBSCUR DE LA MÉTAMORPHOSE

Le trio à cordes est une des formations les plus séduisantes et les plus complexes de la musique de chambre. Séduisante, par les possibilités expressives de ses trois voix solistes réunies ensemble. Complexe, car elle impose de redoutables difficultés techniques au compositeur.

De fait, cette écriture à 3 voix exige un équilibre parfait entre des lignes qui oscillent en permanence entre les dimensions harmoniques , contrapuntiques et mélodiques dont elle a besoin pour s’épanouir. Aussi ressent-on souvent le manque d’une quatrième voix ! ...Dont il faut bien se passer sans que ce ‘’manque’’ ne se ressente  à l’audition !

Loin du quatuor, qui peut être considéré comme le plus bel emblème de l’écriture compositionnelle mise à nue, le trio à cordes apparaît comme un petit frère défavorisé. Plus bancal, plus difficile peut-être à traiter (parce qu’il se place dans une position « d’entre-deux » qui s’avère inconfortable), il n’en reste pas moins le lieu idéal où la souplesse et la rigueur de la composition peuvent s’exprimer dans l’intimité la plus grande. Mozart, Beethoven, Schubert lui ont confié parmi leurs plus belles confidences.

Aujourd’hui réhabilité, cette formation possède un répertoire contemporain conséquent. Il n’en reste pas moins qu’en écrire un reste une aventure risquée puisque l’écriture s’y retrouve toujours sur un fil instable... Demandez à un menuisier ! Il vous dira qu’une chaise à trois pieds est plus délicate à réaliser qu’avec quatre...

Dans le Corps Obscur de la Métamorphose est structuré dramatiquement en six mouvements qui sont comme autant de scènes d’un opéra sans paroles. Chaque scène décrivant (musicalement et dramaturgiquement parlant) une date de la Révolution Française que j’ai choisi, soit pour sa résonance politique, soit pour son importance philosophique et sociale, soit encore pour sa simple dimension humaine. Ce, sans qu’il ne s’agisse à aucun moment de musique à programme, de musique anecdotique ou descriptive.

1. Le 14 Juillet 1789, le peuple français prenait la Bastille.

« Derrière l’écran du temps » (Malcolm Lowry)

2. Le 10 Août 1792, la « seconde » révolution renversait le trône, intégrait le peuple dans la Nation et marquait l’avènement de la démocratie politique.

« Sur les foudroyantes murailles du matin » (Paul Chamberland)

3. Le 16 Germinal an II (5 Avril 1794), Danton était exécuté.

« Un cri va creuser ce temps hagard » (Jacques Brault)

4. Le 9 Thermidor an II (27 Juillet 1794), Saint-Just eut vingt-quatre heures pour sauver la révolution populaire, mais la Convention eut raison de la Commune sans avoir même à combattre.

« Sans autre esquif que le silence » (Gilbert Langevin)

5. Le 10 Thermidor an II (28 Juillet 1794), Robespierre était guillotiné.

« Un souffle autour de rien » (Rainer Maria Rilke)

6. Vînt le mois de Prairial an III (Mai 1795), date à laquelle la Convention écrasa l’ultime révolte d’un peuple affamé. La bourgeoisie, avec l’armée, avait définitivement pris le pouvoir.

La révolution était morte !

« Dans le blasphème de l’aube » (Jacques Brault)

        FRAGMENTS POUR UN MAUSOLEE

1. Liebergang (Passage – Transition) ...à Victor Serge

2. So Langsam Rollt Sicht ab der Zieten Spindel (Tant l’écheveau du Temps se dévide) ...à Flora Tristan (extraits de poèmes d’ André Roy, de Maïakovski et de l’Internationale)

3. Aufhebung (Suppression – Dépassement – Conservation) ...à Frantz Fanon

 

Héraclite disait de l’oracle de Delphes : « il ne dit ni ne cache, il fait allusion ». La Musique n’agit-elle pas de la sorte ?

De fait, elle ne signifie rien. Et cette qualité même lui confère la possibilité d’infinies interprétations car le seul lieu de rencontre des significations est et reste le créateur.

En Musique, il n’y a donc rien à penser ni à dire, et ce, dans la mesure où penser et dire sont l’essence même de notre volonté de communiquer un sens. Pour ces raisons, la Musique donne à penser et à dire infiniment. Mais le sens se forme au présent : dans l’acte de création (il ne se dégage donc qu’après coup).

« Seul l’idéologue délibère avant de faire » écrit le philosophe Jankélévitch ! On ne peut d’ailleurs pas plus penser la Musique elle-même qu’on ne pense la Mort...

La réalité musicale est toujours ailleurs : ni avant (dans la psychologie ou la biographie du compositeur), ni après (dans l’analyse ou la description de l’œuvre) !

C’est pourquoi les techniques d’écriture, les nouveautés de vocabulaire n’expriment en rien la musique qui les porte. La Musique n’est pas réductible à une teknê, pas plus qu’on ne peut trouver la pensée dans le cortex cérébral i

La Musique est, simplement, un devenir « devenant ». De plus, si elle était langage (vernaculaire), le sens préexisterait à son expression dont le langage n’est que le support...

« Le créateur pose ainsi l’essence conjointement avec l’existence, la possibilité en même temps que la réalité »  (Jankélévitch). C’est pourquoi  encore le poète russe Alexandre Block a pu écrire : « La Musique crée le Monde ».

Or, si elle le crée c’est par métaphores et symboles interposés, et c’est seulement ainsi que nous pouvons l’entendre...

Si message il y a dans ces trois mouvements pour orchestre, il se résume dans cette citation de Renan : « L’Homme n’appartient ni à sa race, ni à sa langue, il n’appartient qu’à lui-même car c’est un être libre, c’est-à-dire, un être moral ».

Chaque mouvement est ainsi dédié à un écrivain révolutionnaire qui s’est battu pour des idées que notre XXIème siècle voit hélas s’éteindre : l’idée d’un Monde commun à tous les Hommes, l’idée que la Liberté est un Droit Universel et que seul peut être libre un Homme éclairé.

        MIR WIRD ROT VOR DEN AUGEN

Parcourue d’ostinati, de notes répétées, cette pièce, obsessive, se sert de manière détournée d ‘éléments intervalliques empruntés à l’Acte II / Scène 4 du Wozzeck d’Alban Berg. Plus précisément, il s’agit des trois notes chantées par Wozzeck en cette scène et ce, sur les paroles mêmes dont je me suis servi afin de donner un titre à ma partition : Mir wird Rot vor den Augen...

Écrite sous le choc de la première Guerre du Golfe, le choix du titre est bien entendu explicite quant à mes intentions extra-musicales puisqu’il signifie : « Je vois rouge devant mes yeux » !

Le double sens de cette phrase (colère et sang) rend compte de mon ressenti profond devant l’ignominie de cette guerre... déclarée pour une « juste cause » nous avait-on expliqué alors ! Or, je tiens pour insoutenable toute justification donnée à un acte entraînant la mort d’un être humain (de quelque ordre que cet acte et cette justification soit, car il n’y a aucune excuse à tuer et, en morale, la mort n’est assurément pas quantifiable). Quant à déclarer une guerre pour des intérêts financiers, j’avoue que, bien qu’ayant perdu mon innocence, tout mon être s’est révolté devant cette horreur acceptée par tant d’autres individus sur cette planète comme un simple fait divers télévisé !

C’est pourquoi j’ai voulu mettre en parallèle, ici, la mort d’un individu (Marie : devenue symbole culturel grâce à Büchner et Berg) et celle de plusieurs centaines d’anonymes qui n’avaient pour seul tort que d’être des civils irakiens pris dans les bombardements américains d’une guerre qui ne les concernait pas.

Colère donc, contre la cupidité imbécile et irresponsable qui mène inéluctablement notre humanité à la barbarie. Que celle-ci envahisse notre quotidien, ou bien s’inscrive sur les pages de nos futurs cahiers d’Histoire, la barbarie est et reste la même et les morts qu’elle charrie sont, restent et resteront à jamais intolérables !

J’ai bien conscience que ce ne sont pas quelques notes écrites sur du papier musique qui changeront la face du monde. Cependant, malgré le côté dérisoire de ce cri personnel jeté dans l’immensité d’un univers sourd, je ne peux m’empêcher, en naïf que je reste, de croire que l’art peut changer les Hommes... A tout le moins, les faire réfléchir, indirectement.

Cela dit, la Musique n’ayant rien d’autre à dire qu’elle-même, il ne s’agit ici, en aucune façon, de musique descriptive ou même anecdotique. Car ce qui fait sens en Musique, c’est ce qui s’entend. Mais, ce qui s’entend n’est rien d’autre... que le discours musical, les techniques qu’il déploie, et le langage qu’il choisit comme support afin d’articuler ensemble : un vocabulaire, une syntaxe et une grammaire appartenant spécifiquement à la... Musique.

Quant aux intentions extra-musicales, elles restent au niveau d’une dramaturgie interne. Une dramaturgie qui détient des codes musicaux certes (changeant avec les époques) qui peuvent permettre, plus ou moins précisément, d’évoquer des sentiments, d’énoncer des sensations, d’exprimer des situations au travers d’une sensibilité capable de les percevoir. Mais ceci est un domaine où dès que l’auditeur se projette, le compositeur se retire laissant dès lors son œuvre vivre sa vie avec le mélomane qui s’en empare et la fait par là même sienne...

En exergue de la partition j’ai inscrit ces vers de Pierre Emmanuel « Au gré du sang / S’Effrite le Temps »...

Alain Feron

UN MUSICIEN ENGAGÉ

On ne trouvera pas beaucoup d’œuvres réellement « politique » en son catalogue. N’étant pas très expansif en ce genre de démarche musicale, il réserve ce type d’engagement au domaine du politicos (c’est-à-dire de la vie dans la Cité). Là, son sens critique et ses valeurs fondamentales ont toujours été mis au service d’un humanisme généreux. Ses articles et ses émissions radiophoniques en témoignent autant que ses choix professionnels et ses prises de position publiques.

Deux pages sont cependant à relever : Fragments pour un Mausolée op.6 pour mezzo et orchestre (1987) et Mir wird Rot vor den Augen op.15 pour ensemble instrumental (1991).

Cette dernière œuvre, superbe, à l’écriture somptueuse et acérée, à l’orchestration éblouissante (on a peine à croire qu’il n’y ait ici que 10 instrumentistes) est parcourue d’un lyrisme puissant, d’un dramatisme saisissant, d’un humour corrosif (la valse finale est à la fois terrifiante et sarcastique à souhait). Emplie d’ostinati oppressants, de notes répétées grinçantes, les contrastes sont

amenés avec subtilité et ménagent de purs instants de grâce au sein d’une atmosphère générale restant sombre. Ces 16’ passent avec la rapidité d’un éclair ! De quoi s’agit-il ? La partition a été écrite sous le choc de la 1ère Guerre du Golfe. Le choix du titre est explicite du sentiment ressenti par le compositeur puisque la traduction française signifie « Je vois rouge devant mes yeux... ». Mais le sens de ce titre est double puisqu’il fait aussi référence à cette même phrase que chante Wozzeck (lorsqu’il a la prémonition de son meurtre, très exactement Acte II, scène 4 de l’opéra de Berg). Cependant il n’est pas besoin de chercher ici un fil extra-musical qui nous guiderait dans l’écoute puisque cette œuvre ne possède aucun argument. Bien que cette partition se déclare « musique pure », cela ne nous empêche pas pour autant de nous faire notre propre scénario. Reste, en tous les cas, le double symbole porté par cette phrase-titre qui nous renvoie d’un meurtre tiré d’un fait divers (portée sur la scène théâtrale par Wedekind, puis sur la scène opératique par Berg) à l’actualité de l’Histoire (les victimes civiles des bombardements américains de ce printemps 1991).

En exergue de la partition nous trouvons ces vers de Pierre Emmanuel qui illustre parfaitement le poignant de cette page : « Au gré du sang / S’effrite le temps ».

(puede consultar la biografía de Alain Feron en las dos ediciones anteriores de su obra: Alain Feron 1 y Alain Feron 2)

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Otras obras del autor en Alina Records:





sábado, 2 de enero de 2021

JOACHIM RAFFEL - You - (AL091)

 

ref: AL091

Autor: JOACHIM RAFFEL

título: You

Plantilla:

Joachim Raffel - Fender Rhodes Mark II, Hohner Organa 30, vocals, tape reel, Indian harmonium, harmonica, bamboo flute, Nagori drums, ramwong, dholak, doumbak, boobams, bongo, tingsha bell, temple block, claves, cymbal, various shakers


fecha de publicación: 3 enero 2021

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Cinco años después de su centelleante álbum "SoDance", el compositor y multiinstrumentista alemán Joachim Raffel nos ofrece su último disco, titulado "You", grabado en 2020. Este ciclo poético y luminoso es la extrapolación perfecta de elementos anunciados en " Dance Truly ", pista de cierre del disco" So Dance ". Este último dejó la música suspendida en una nueva esfera, más flotante y electrónica. Entre otras influencias, también podríamos mencionar el espíritu general de "Tubular Bells", el icónico álbum de Mike Oldfield lanzado en 1973. Aquí, como Oldfield, Raffel es el único intérprete, desplegando una panoplia de percusión e instrumentos. Teclado antiguo, idiosincrásico, de baja tecnología o exótico. Para este trabajo tuvo todo el proceso creativo en sus manos, desde la composición hasta la letra, pasando por la grabación y producción de sonido. Además, su talento vocal se muestra como nunca antes. Los ocho movimientos del ciclo "You" nos permiten vagar por un vórtice de intersecciones y colisiones entre resonancias iridiscentes, danzantes, meditativas, encantadas, minimalistas o jazzísticas, todas salpicadas de micropartículas fosforescentes de pop y rock progresivo. ¡Atención, OVNI!

Steve Gibbs

Quelques mots à propos de You

Cinq ans après son scintillant album "So Dance", le compositeur et multi-instrumentiste allemand 
Joachim Raffel nous propose son dernier album, nommé "You", enregistré en 2020. Ce cycle poétique et lumineux est la parfaite extrapolation d’éléments annoncés dans "Dance Truly", plage de clôture de l’album "So Dance". Cette dernière laissait la musique suspendue dans une nouvelle sphère, plus flottante et électronique. Parmi d’autres influences, on pourrait citer également l'esprit général de "Tubular Bells", album iconique de Mike Oldfield sorti en 1973. Ici, comme Oldfield, Raffel est l'unique exécutant, déployant une panoplie de percussions et d’instruments à clavier à caractère vintage, idiosyncratique, low-tech ou exotique. Pour cette œuvre il a eu entre ses mains l'intégralité du processus créatif, de la composition aux paroles, en passant par la captation son et la production. Qui plus est, ses talents vocaux sont exposés comme jamais. Les huit mouvements du cycle "You" nous laissent divaguer à travers un vortex d’intersections et de collisions entre résonances irisées, dansantes, méditatives, incantatoires, minimalistes ou jazzy, le tout saupoudré de microparticules phosphorescentes de pop et de rock progressif. Attention, ovni ! 

Steve Gibbs

Raffel Bio

El compositor, pianista y percusionista alemán Joachim Raffel se dedica al jazz, la música improvisada y la creación interdisciplinaria. Después de estudiar piano de jazz en la Amsterdam School of Arts en la década de 1980, pasó a estudiar composición con Bob Brookmeyer y Bill Dobbins en la escuela secundaria de música de Colonia. Desde su álbum debut de 1994 "Thinkin’ of Trane " del Joachim  Quintet con la cantante invitada María de Fátima, Raffel ha lanzado 8 CD como líder, compositor, pianista y percusionista y ha recibido múltiples premios de jazz. Los últimos 15 años han visto una extensión progresiva del uso altamente personal de Raffel en el piano preparado, la percusión y los objetos encontrados. La grabación de 2005 "Namu" con el guitarrista Steve Gibbs (lanzada en 2010) marcó un hito que manifestaba la creciente implicación de Raffel con la música improvisada y el ruido. Esta grabación es la semilla de proyectos que han proliferado exitosamente como lo es el inclasificable trío Namu3. Durante la última década, el ámbito de actividad de Raffel ha continuado expandiéndose a nuevas áreas como la música de cine (para la producción franco-alemana Daimonion) y obras mínimas a gran escala, incluido "Drone for La Monte Young" (2012) para improvisar en trío y obras históricas como “Minimaloption” (2014) para bailarina, percusión y coro ambulante.

Raffel Bio

German composer, pianist and percussionist Joachim Raffel is active in jazz, improvised music and interdisciplinary creation. Following Jazz Piano studies at Amsterdam School of Arts in the 1980s, he went on to study composition with Bob Brookmeyer and Bill Dobbins at Cologne Highschool of Music. Since his 1994 début album “Thinkin’ of Trane” by the Joachim Raffel Quintet with guest  Maria de Fatima, Raffel has released 8 CDs as leader, composer, pianist and percussionist and has received multiple jazz awards. The past 15 years have seen a progressive extension of Raffel’s highly personal use of prepared piano, percussion and found objects, the 2005 recording “Namu” with guitarist  Gibbs (released in 2010) marking a watershed for Raffel’s growing involvement with improvised music and noisescape, vigorously pursued in projects such as the unclassifiable trio Namu3. Over the last decade, Raffel’s scope of activity has continued to expand into new areas such as film music (for Franco-German production Daimonion) and large scale minimal works, including “Drone for La Monte Young” (2012) for improvising trio and historical weaving looms, and “Minimaloption” (2014) for dancer, percussion and ambulatory choir.

Credits of "YOU":

This is a Sounding Arts/Alina Records production. 2021

https://soundingarts.wixsite.com/soundingarts

All pieces composed, arranged, recorded and mixed by Joachim Raffel 2020.

Lyrics: Joachim Raffel.

Final mastering: Tim Hocks

Photos: Jake Playmo, Maria Otte, Kerstin Schumann

Cover: CovAl dessing

With friendly support from the cultural department of the city of Osnabrück.
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otras obras del autor en Alina Records:




jueves, 24 de diciembre de 2020

JORGE CABADAS - Sobre La Belleza - (AL090)

 

ref: AL090

Autor: Jorge Cabadas

título: Sobre La Belleza

Plantilla:

Jorge Cabadas - guitarra eléctrica y electrónica

fecha de publicación: 24 dic 2020

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Este nuevo y excepcional trabajo del guitarrista Jorge Cabadas conforma la parte musical de una original y multidisciplinar obra artística (Laberinto Fases 0 y 1) realizada por Quique Esteban Jiménez y Javier Esteban Jiménez.

Una vez más, Cabadas nos hace entrar en su mundo bellas melodías deconstruídas con maestría y sensibilidad. Cada tema del trabajo es un lugar que acoge un sentimiento de belleza, solitaria y desatendida, tan inaprensible como real se nos presenta. Un paisaje, un rincón, un momento fugaz o una brisa pueden contener retazos y efluvios de eso que llamamos belleza; de eso que buscamos a cada momento y que se nos escapa al intentar aprehenderlo. Es esta una obra personal, bella, irrepetible y solitaria.

Esta edición de Alina Records ofrece la obra fasciculada en seis temas, pero también incluye un track final con la pista completa, sin fraccionar, tal y como fue concebida por el autor.

El contenido, proceso y significado de la obra artística en la que se incluye esta música de Jorge Cabadas queda explicado por sus propios autores en las siguientes líneas:

 LABERINTO FASES 0 Y 1 

“Os proponemos un puzle: un puzle en el que no hay una única solución:

cualquier figura puede ser válida y abre nuevos caminos: caminos que se

pueden seguir o no: figuras que se bifurcan, que convencen o no. Otros han

propuestos cosas semejantes. La vida nos propone numerosos senderos a cada

paso.

PD: antes del puzle había una figura: quizá pueda seguir ahí... no depende de

nosotros mostrarla".

"Durante el confinamiento (fases 0 y 1), J.E.J. construyó un poema. Q.E.J. tomó

unas fotografías (35), no para ilustrarlo, sino para acompañarlo, para caminar

en un mismo sentido.

Se ha dividido el texto en el mismo número de trozos que el número de

fotografías. Después se ha impreso por detrás de éstas. Por el camino tuvimos

la suerte de que se nos uniera Jorge y la belleza en su creación musical (Sobre

la belleza) que dialoga con el confinamiento, las fotos, los textos.

El texto no fue dividido en fragmentos iguales, sino que el número de versos en

cada fotografía varía.

Estas fotos/textos/música irán en una caja, desordenados con respecto al texto

original y pasarán por las casas de personas que los quieran acoger durante un

tiempo (mínimo una semana, máximo un mes). Estas personas podrán

interactuar con la música/textos/fotos, ordenarlos de la manera que consideren

oportuna (o no ordenarlos), abriendo y construyendo textos e interpretaciones".

LABERINTO FASES 0 Y 1 fue concebida como exposición itinerante, durante

dos años, y se albergará en casas particulares de artistas (principalmente) por

períodos no inferiores a una semana.

Se trata de una creación colectiva: Quique Esteban Jiménez – Javier Esteban

Jiménez – Jorge Cabadas.

LABERINTO FASES 0 Y 1 tiene como formato la reproducción musical, una

caja negra manejable con 35 fotografías, de 13 x 19 cm, y textos en su reverso.

Los textos son independientes, pero componen un único poema.

LABERINTO FASES 0 y 1 tiene su origen en otra exposición similar de Quique

Esteban Jiménez, en 2015 y 2016 (FERMENTANDO) que estuvo en 40 casas de

personas relacionadas con el arte (principalmente) de España y Portugal.


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otras obras del autor en Alina Records:





martes, 17 de noviembre de 2020

EAS - Variaciones, Combinaciones y Permutaciones 1 - (AL089)

 

ref: AL089

Autor: EAS (Equipo de Acción Sonora)

título: Variaciones, Combinaciones y Permutaciones 1

Plantilla:

Antonio Rodríguez - voz y varios instrumentos

Ernesto Colsa - voz y varios instrumentos

David Díaz - voz y varios instrumentos

fecha de publicación -  17 Nov. 2020



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Equipo de Acción Sonora fue fundado en Oviedo en 1994 y estuvo activo hasta 1998. Siendo quizás una de las primeras formaciones dedicadas a la improvisación más inmediata e irreverente, tomaron como regla la acción de grabar todas sus sesiones dando lugar a una extensísimo registro compuesto por incontables horas de cintas grabadas. Aún siendo estas grabaciones de carácter muy precario, y gracias a los esfuerzos de Ernesto Colsa, EAS publicó hace dos años un triple vinilo que salió con el nombre de Variaciones, Combinaciones y Permutaciones (1996-1998). Esta edición pretendía homenajear la valiente labor sonora y creativa del trío ovetense formado por tres jóvenes apasionados en las músicas más marginales, pero sin ninguna formación académica instrumental: Antonio Rodríguez, Ernesto Colsa y David Díaz.

Alina Records dispuso de los archivos sonoros de EAS desde el año 2003, mas, siendo estos de tamaño tal, el deseado proyecto de editar una muestra en descarga libre se fue postergando. Felizmente, ahora disponemos de la selección y masterización, de más de dos horas, realizada para el vinilo editado por La Última Canana De Pancho Villa y tenemos el placer de poder ofrecer este material histórico en nuestra netlabel, eso sí, dividido en dos volúmenes. En este punto, debemos informar de que dos de los temas publicados en la anterior versión de vinilo han sido censurados para esta versión y sustituidos por otros dos que hasta ahora permanecían inéditos en los archivos sonoros de EAS. Estos dos temas censurados son piezas de importante valor musical y poético en el conjunto de las obras, pero el contenido de las letras hacía inconveniente su publicación en descarga libre.

La historia, los conceptos y las vicisitudes de EAS han quedado magistralmente documentadas de forma literaria gracias a la proustiana labor del formante Ernesto Colsa, a través de una publicación fascicular e inmanejable que se dilató durante varios años. No hay espacio aquí para dar fe de estos documentos literarios. Respecto a los documentos legales y conceptuales, el feliz poseedor de la edición en vinilo disfruta de un texto importante como lo es el Manifiesto (de 12 páginas), que incluye la publicación de la primera fórmula matemática que pretende cuantificar el ejercicio de la libre improvisación. Por otro lado, algunas disponemos de los Estatutos (de 16 páginas) bajo los que los libertarios formantes del grupo se regían cerrilmente.

Material gratuitamente irreverente, cacofonía innecesaria, sonido ciudadosamente destructivo, elocuencia ignominiosa, maltrato armónico y estructural, pretenciosa arritmia o poliinstrumentalidad insultante podrían ser términos con los que el oyente pretendiera describir los resultados de estos registros sonoros. Sin embargo, "entre el estiércol nacen flores"... hay cosas que no se pueden describir con palabras, y para eso tenemos a la música…

Fragmento del Preámbulo de los ESTATUTOS de EAS:

El entramado orgánico de las entidades con fines creativos ha venido adoleciendo de unas seculares carencias que en la mayor parte de los casos  han motivado su inestabilidad y las han conducido a una temprana desaparición, viendo así truncado el total desarrollo de sus potencialidades. Los conflictos de personalidad, tan frecuentes en el ámbito artístico, en el que la inmadurez, el ego exacerbado y la autocomplacencia priman sobre cualquier otra cualidad, hacen que en el seno del Equipo de Acción Sonora devenga imprescindible el establecimiento de una férrea estructura organizativa que evite la aparición de tales vicios. A este propósito sirve el presente texto, un compendio básico de pautas que regula el estatuto de sus integrantes, establece el sistema de derechos y obligaciones a que se encuentran sometidos y un régimen disciplinario para los supuestos de contravención de la norma, entre otros contenidos imprescindibles que se hace preciso institucionalizar.

Fragmento del Prefacio del MANIFIESTO de EAS:

Ha nacido una nueva forma de socavar los cimientos en que se sustentan las creencias del pueblo: el Equipo de Acción Sonora (EAS, en adelante). Su irrupción en la sociedad responde al anhelo de dilatar las estrechas miras de la vanguardia y explotar hasta el límite las más amplias posibilidades de lo convencional. El Equipo, pues, no aspira a convertirse en adalid de lo “alternativo”, sino que, renegando de este concepto, trasciende sus objetivos. No constituye el EAS una opción, no es elección libre entre varias posibilidades. Nuestra doctrina no permite la disidencia ni el debate. El inmovilismo nos hará poderosos; la inflexibilidad, tenaces... leer manifiesto completo...

Entrevista televisiva a Ernesto Colsa acerca de EAS

Editorial La Última Canana De Pancho Villa

Manifiesto Completo de EAS

EAS 1 en la Radio:

https://radiokras.blogspot.com/2020/12/vericuetos-394-08-12-20.html?spref=fb&fbclid=IwAR2uQgYJ0ZCZnPKudk9QHXBl_GpYkEkMtJXBQ36JT-WdE7qH_RWb8_TM5Ao

https://www.ivoox.com/radio-circulo-undae-radio-programa-n-204-audios-mp3_rf_62913559_1.html?fbclid=IwAR1EW7KuxMEbWDQfcOI_sJmf5kR0uFWKcjry-eAh_PlvHAQXCks15yjKAbU


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otras obras de los autores en Alina Records:


sábado, 17 de octubre de 2020

FREESONIQ - Reminiscencias (2020) - (AL088)

 

ref: AL088

Autor: FREESONIQ

título: Reminiscencias (2020)

Plantilla:

Chema Pastor - batería, percusión

Luis Escribano - Ccontrabajo

Jorge Cabadas - guitarra eléctrica y electrónica

fecha de publicación: 18 oct. 2020



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Tres viejos conocidos del panorama improvisador afincado en Madrid formaron hace un tiempo Freesoniq, un proyecto de experimentación y ensayo acerca de la comunicación expresiva en formato de trío. Las tres voces se sitúan en el mismo nivel y tejen un exquisito entramado de libertad y compromiso a partes iguales. El conocimiento entre los tres componentes dará como resultado una sólida y confiada sonoridad, eso sí, atestada de riesgo inmediato y valentía que estimule la creación. La improvisación sin riesgo queda en una mera muestra de manierismos y en alarde de lugares comunes.

Pastor, Escribano y Cabadas grabaron esta sesión en modo “a distancia”, por pistas, tal y como nos comentan en el texto de más abajo. Alina Records ha cultivado en sus producciones este modo grupal en diversas ocasiones y los resultados han sido siempre sorprendentes. Producciones como “Aqueologías” (AL019), “Pirates” (AL012) o “Música Vaciada” (AL009) ofrecen un interesante testimonio de esta manera de crear en la distancia. Trío Antimanierista grabó una parte amplia de sus primeros trabajos en colaboración con músicos residentes en Italia, Alemania, Barcelona, EEUU, Chile…

En este caso, Freesoniq nos ofrecen una muestra del nivel de diálogo y creatividad que se puede alcanzar a través de la distancia. Escucharemos la obra en un espacio tan común como real… la distancia física desaparece ante ideas y planteamientos sólidos.

Como los autores nos comentan:

En marzo de 2020, a causa de la pandemia, el gobierno español decretó un confinamiento general de la población que duró más de tres meses.

Nuestro trabajo en FREESONIQ quedó interrumpido y nos planteamos la manera de mantenernos en contacto y poder continuar.

Hacer sesiones en streaming desde nuestras respectivas poblaciones no era factible por lo que se nos ocurrió hacerlo de otra manera: nos enviaríamos un archivo grabado y sobre él, en nuestros home studio, añadiríamos el resto de instrumentos. Sin premisas…

Tocaríamos sobre la pista de un instrumento primero y luego sobre dos e iríamos cambiando el orden de grabación para los distintos temas.

El experimento nos sorprendió, nos pareció interesante y espontáneo, pese a no ser sesiones en directo, y decidimos mostrarlo.

Estas grabaciones se hicieron entre marzo y abril de 2020.

La producción, mezcla y mastering es de FREESONIQ. 

Los títulos de los temas se pusieron con los versos de un poema de Belén Mateos inspirado por la música.

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Reminiscencias en La Radio:

https://universosparalelosradioshow.blogspot.com/2020/11/emision-19112020-25-aniversario.html?fbclid=IwAR0GRqlbHnTVJXXMnlCk-WHcspkpX-Fv--lQ_YklFlss508V9dChuVTKRsI

https://radiokras.blogspot.com/2020/12/vericuetos-394-08-12-20.html?spref=fb&fbclid=IwAR2uQgYJ0ZCZnPKudk9QHXBl_GpYkEkMtJXBQ36JT-WdE7qH_RWb8_TM5Ao

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sábado, 26 de septiembre de 2020

FERNANDO CURIEL - Vectores - (AL087)

 

ref: AL087

Autor: FERNANDO CURIEL

título: Vectores

Plantilla:

F. Curiel - composición, dirección, electrónica, piano, guitarra eléctrica

Patricia García - flautas contrabajo y contralto. 

Fabián Murua - flauta

Juliana Moreno - flauta alto

Ensamble AJA - variada instrumentación

DUO MEI (P. García y J. Moreno)

fecha de publicación: 28 sept. 2010

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Con esta recopilación de trabajos de Fernando Curiel presentamos la obra del multidireccional artista en Alina Records. El trabajo de este músico argentino traba magistralmente los recursos propios de la música electroacústica con la mera música instrumental. Pero su obra no se conforma solo con transitar estos espacios mixtos, también es toda una investigación acerca de la interpretación humana y corporal en su relación con el instrumento y enfrentado al hecho creativo e improvisatorio.

Inclasificables, como se nos presentan sus creaciones, entenderemos la obra como un sólido universo articulado por múltiples leyes que parecen aisladas aunque encajen como un inusitado puzzle. Sin embargo, esa solidez se desvanece en nuestra sensualidad auditiva y la música se desliga y vuela en un aire callado y libre, dibujando curvas caprichosas.

Resulta fascinante la inclusión de estas obras de Curiel en nuestro catálogo, pues dialogan perfectamente con el grueso de obras que han publicado autores y autoras en Alina Records, tanto del entorno elctroacústico como del improvisatorio. Siempre estaremos dispuestas a reconocer la estrecha relación que existe entre ciertas músicas compuestas y la improvisación  más libre; y la obra de Fernando Curiel es un excelente documento para evidenciarlo.

En la obra de Curiel, el gesto (esa actitud inmediata de la intérprete) toma un papel fundamental y preeminente, como la pincelada o el "factum" del trazo lo son en la pintura.

La selección presentada en esta edición se centra en obras del autor de carácter estrictamente sonoro, dejando aparte todo un productivo trabajo del artista dedicado al teatro musical y al videoarte. Cierren los ojos, escuchen y déjense llevar sin prejuicios…

Créditos y comentarios del propio autor a esta edición:

1. VECTORES MÁGICOS 2 

Para Flauta y Electrónica cuadrafónica. Compuesta en 2016.

Intérprete: Flauta: Fabián Murua.

Grabación de concierto. Ciclo de Música Electroacústica de Sonoridades Alternativas, Planetario de la Ciudad de La Plata, Bs.As. Octubre 2016.

 Esta obra surge de un programa, inspirado en algunos pasajes de las experiencias escritas por Carlos Castaneda en libro Las Enseñanzas de Don Juan. Aquí se desarrollan profundidades tímbricas imaginando analogías en esos estados de conciencia, buscando atmósferas constantes con texturas densamente diseñadas entre la electrónica cuadrafónica y el instrumento, transformando todo en un paisaje sonoro densamente tejido.

2. ALUS

Para Flauta alto y Flauta contrabajo. Compuesta 2019.

Intérpretes: DUO MEI - Juliana Moreno: Flauta Alto / Patricia García: Flauta Contrabajo

Grabación de concierto. Zona de Frontera, organizado por Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Bs.As. Junio 2019.

 Obra miniatura inspirada sobre eventos balineses, donde las dos flautas entran proyectadas en un juego casi teatral, las capas rítmicas y la espectralidad generada se presentan como un material sonoro obtenido de una misma bellezacotidiana.

 3. INSTERSTICIO 1

Para Piano y Transformación Electrónica. Compuesta 2015

Intérprete: Piano y Transformación Electrónica: Fernando Curiel.

Grabación, Estudio Fonojaguar, Ciudad de Temperley, Bs.As. Junio 2015.

 Entre los materiales procedentes del piano y la máquina electrónica transformadora, se pueden observar ciertos elementos aleatorios, extraños, que se aproximan hasta llegar a un único intersticio sonoro.

 4. VECTORES MÁGICOS 3

Para Flauta Contralto. Compuesta 2018

Intérprete: Patricia García

Grabación, Estudio Puntoar, Técnico en grabación: Ariel Alejandro Gato.

CABA. Bs.As. 2018.

 Existe una descripción casi narrativa, sobre ciertos terrenos esotéricos en los cuales se han tomado como puntos de partida. Desarrollando entonces así, elementos acústicos de múltiples coloraturas y resonancias, presentando también una compleja y entramada monofonía con capas ocultas y con una cierta textura verticalizada. La línea de construcción es directa y potente, entrecruzada con algunos componentes del rock y ciertos climas ceremoniales primitivos, como  eje común en todo el trabajo.

5. SECONDA PRATTICA

Para Ensamble. Compuesta 2015

Intérpretes: Ensamble AJA, Dirección: Fernando Curiel

Grabación, Sala de la Fundación Beethoven, en colaboración con Ars Contemporánea. CABA. Bs.As. Octubre 2015.

 Esta obra fue pensada sobre la base de ciertos gestos sonoros, dirigidos desde la misma percusión, como el principal referente para la práctica de la improvisación y bajo una interpretación sin referentes visuales, al estilo del teatro para no videntes, donde el interprete y el oyente se unen en un misma ceremonia sobre un juego con espacialización en tiempo real.

6. VECTORES MAGICOS 1

Para Flauta soprano, Guitarra Eléctrica y efectos. Compuesta 2014

Intérpretes: Flauta : Fabián Murua / Guitarra Eléctrica: Fernando Curiel

Grabación, Estudio Fonojaguar.

Ciudad de Temperley, Bs.As. Noviembre 2014.

 En este trabajo se observa un lenguaje experimental en un estado muy crudo, primitivo, antiguo y al mismo tiempo con ciertas referencialidades provenientes del rock. Esta obra contiene materiales escritos, prefijados, que dialogan a su vez con ciertas improvisaciones controladas. Dejando a los instrumentos atrapados y expuestos casi permanentemente a ciertas transformaciones muy radicales. Lo electrónico permite que el interprete se desarrolle en una extensa zona de timbres y texturas dentro de un clima de espectros, ritmos excéntricos con sectores que avanzan direccionalmente buscando distensiones y estallidos como fuerzas que se cruzan en estado puro.

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Vectores en la Radio:

https://www.ivoox.com/llums-tunguska-177-21-10-2020-audios-mp3_rf_58708111_1.html?fbclid=IwAR069nB93h8A80tTOhegM7tF035Z5drfE1hV4YURn3cqQkYjlYwOIp8exUg

http://fernandocuriel.net/multimedia/item/54-programa-hacia-la-nueva-musica-en-radio-unam?fbclid=IwAR1-xCQRUnpUxoGpeN04phAa_MvoNaSGMZQKuYsbCQhj42MEWR7dodfhPb8

https://www.ivoox.com/radio-circulo-undae-radio-programa-n-204-audios-mp3_rf_62913559_1.html?fbclid=IwAR1EW7KuxMEbWDQfcOI_sJmf5kR0uFWKcjry-eAh_PlvHAQXCks15yjKAbU

lunes, 3 de agosto de 2020

MIGUEL GIL - Mutare - (AL086)

ref: AL086

Autor: Miguel Gil

título: Mutare

Plantilla:
Miguel Gil - electrónica, saxo soprano, clarinete, trompeta, flauta

Elsa Mateu - cello

fecha de publicación:
4 agosto 2020




Tras su obra “Seis Píldoras Para La Memoria”, el músico Miguel Gil vuelve a guiarnos por una aventura sonora que nos arrastrará desde el primer momento. Este MUTARE es un mundo repleto de apariencias y desapariciones que se transforman, duplican e intercambian identidades. El uso de materiales muy diversos y la multiplicidad son sus atractivos más obvios, pero desentrañaremos un guión bien trabado que se había camuflado de aletoriedad. Una obra contundente en la que  Miguel Gil vuelve a mostrar una sabiduría propia, de las que nos convencen, nos plantean inquietudes y nos sorprenden a cada momento. Sin duda, una de las bazas de esta obra es la participación de la excelente chelista Elsa Mateu.

La obra está compuesta de tres partes que el propio autor nos comenta:

La trilogía Mutare se gesta a partir del entrecruzamiento de tensiones y atracciones entre lo ético, lo estético y el cuestionamiento del pensamiento organizado cronológicamente.

Paralelamente discurre una transmutación permanente entre acústico, real, manipulado, virtual, factible e imposible.


En el asiento trasero de un DeLorean, Jehová
deshoja margaritas de pvc y ganchillo. Esparce
su húmedo viento la memoria
del tiempo asperjado.
Sobre las aguas del verdoso estanque caminan
estrepitosas éticas caníbales

Mutare I Afectos
(para Emilo Alonso)

Afectos es, por contraposición con FAQ Limbo, un homenaje, que surge de dos frases de la sonata para violín solo de B. Bartok en la interpretación de Kurt Nikkanen.

Estos motivos nunca suenan como tal, ya que, mediante las técnicas descritas anteriormente, se convierten en texturas de música “orquestal”, dentro de la que se integra la improvisación al violoncello de Elsa Mateu, un instrumento más del ensemble-ficción evitando una propuesta dialéctica cello - electrónica.


Instrumentación: Elsa Mateu: Cello, Miguel Gil: saxo soprano y electrónica.

Mutare II Fantasía 2020
(Para María Zamora "Maruki")

Esta pieza nace como expansión de una cadena de composiciones previas (ej. Las variaciones de F. Mompou sobre Chopin) al generarse variaciones de variaciones.

La técnica utilizada es el sampleo y su manipulación posterior por medio de time-stretching, síntesis granular, jittering y cambio de alturas entre otras técnicas.

La estructura de Mutare 2020 tiene una duración predeterminada y carece de desarrollo, pudiendo denominarse un collage mutante pluriestilístico.

Instrumentación: Miguel Gil: clarinete, trompeta, flauta y electrónica.

Mutare III FAQ Limbo

Tras observar durante años el sesgo que el blandiblú insolente de ciertos compositores afamados provoca en las estéticas de nuevas generaciones de creadores, decidí componer una pieza que, partiendo de la obra más tóxica, demostrara, a modo de guerrilla sonora, que otra música es posible con estos materiales.

La estructura de FAQ Limbo está predeterminada por la pieza escogida, así como las proporciones internas entre sus notas, sin embargo las alturas se han desubicado lo imprescindible para regenerar el contexto armónico.

Sobre esta base se improvisaron ráfagas de saxo, recombinándolas por procedimientos gráficos-táctiles de aleatoriedad controlados en tiempo real.

Instrumentación: Miguel Gil: saxo soprano y electrónica

Mutare en la Radio:




Otras obras del autor en Alina Records: