miércoles, 30 de noviembre de 2022

ENESSIMA - Fuera De Lugar - (AL117)

 

ref: AL117

Autor: ENÉSSIMA

título: Fuera De lugar

Plantilla:

Miguel Gil - electrónica

Jorge Cabadas - guitarra y electrónica

fecha de publicación: 30 nov. 2022






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Enéssima, dúo formado por Miguel Gil y Jorge Cabadas, ha publicado anteriormente dos excelentes grabaciones: Stuborn Souls (AL069) en Alina Records y Paramystical Riders (fortin004) en Fortín Artesonoro. Es ahora cuando los artistas, siguiendo la línea trazada por las dos anteriores obras, nos ofrecen un nuevo material que evoluciona en su tratamiento del trabajo dialogado a dúo entre la guitarra y la electrónica.

En este nuevo título “Fuera de lugar”, los roles de ambos instrumentos se definen para generar una mayor conjunción y en el mensaje de la música. Esto, sin embargo, otorga a las nuevas creaciones sonoras un carácter más orgánico. Los temas que se suceden dando forma a un nuevo modo de diálogo deconstruído que mantiene activa y participativa la atención del oyente. Nos sentiremos como niños y niñas con los ojos bien abiertos viendo pasar todas esas cosas sonoras ante nuestros oídos.

Celebramos esta nueva propuesta grabada y maravillosamente “enlatada” del proyecto Enéssima, que es algo mucho más que un dúo sonoro y que nos ofrece a menudo conciertos multidisciplinares en su faceta en vivo, creando toda una comuna colaborativa de artistas improvisadoras y en constante evolución.

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otras obras del dúo en Alina Records:




miércoles, 9 de noviembre de 2022

JORGE CABADAS - Espacios Imaginados - (AL116)

 

ref: AL116

Autor: Jorge Cabadas

título: Espacios Imaginados

Plantilla:

Jorge Cabadas - Guitarra y electrónica

cover paint: Mario Sarramián

fecha de publicación: 9 nov. 2022






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Ya podemos disfrutar de una nueva obra del maestro Jorge Cabadas de llamativa frescura y sinceridad. El músico, solo ante su creación, construye toda una región sonora poblada de espacios ocupados por geometrías poéticas. El juego con las texturas y las combinaciones trímbricas es sorprendente, el uso de un guitarrísmo liberado de alardes instrumentales se dedica a la pura expresividad de un artista que se sabe amante de la pintura, el color y la poesía.

Con esta obra, Cabadas nos muestra un nuevo capítulo de su permanente evolución; un artista que absorbe e incorpora a su lenguaje experiencias comunales con sus compañeros y compañeras de viaje, pero que conserva su propia voz reconocible. Transitaremos llevados de su mano por un recorrido que atraviesa lugares diversos y significantes, abstractos y casi reales, por más imaginados que se declaren.

En la obra de Cabadas, la confusión que existe acerca de la etimología de la palabra “arte” se agudiza y disuelve al concepto en una nube de pura creatividad honesta tan intelectual como improvisada. En esta ocasión, el músico improvisador se permite sin rubor añadir pistas grabadas a las previas improvisaciones, dialogando consigo mismo en un encuentro personal que desnuda su sensibilidad. Los espacios curvos y sinuosos conviven con las aristas de la guitarra generando espacios que, en manos de cualquier otro artista, podrían resultar incompatibles.

Les dejamos con las palabras del músico:

"ESPACIOS IMAGINADOS es un acercamiento a la creación en tiempo real diferente a mis últimos trabajos.

Es, con SOBRE LA BELLEZA (2020), el único trabajo en solitario de los últimos años y se diferencia de aquel en que ahí había una única pista de guitarra, con tratamiento electrónico, y en Espacios Imaginados he querido sentirme libre para añadir, sin artificios innecesarios pero con una cierta tranquilidad de espíritu, lo que fuera necesario para plasmar aquello que tenía en mi cabeza.

Sin desvirtuar la creación en tiempo real sí que es cierto que he incorporado las pistas apropiadas para alcanzar la construcción deseada en cada “espacio imaginado”.

Ha sido un ejercicio de acumulación más que satisfactorio pero nada fácil… Tan desacostumbrado estoy a incorporar más de una idea improvisada por vez a mi imaginario musical.

Un muy especial agradecimiento a la crítica profesional y constructiva de mi compañero y amigo Miguel Gil y al oído paciente de Francisco Hurtado y Sergio Cabanillas."

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Espacios Imaginados en la Radio:

https://universosparalelosradioshow.blogspot.com/2022/11/emision-27-aniversario-24112022.html?fbclid=IwAR1pCZdn04GqGgV37dS9f785FJw-WC9mBpxXMuVQecpC02r1kcqFUbOTrKs

otras obras del autor en Alina Records:


martes, 1 de noviembre de 2022

ALAIN FERON ENREGISTREMENTS COMPLETS

 

Aquí pueden disponer de las seis ediciones que componen el catálogo sonoro publicado por Alina Records & Sounding Arts (hasta hoy) de las obras grabadas del maestro Alain Feron:

ALAIN FERON 1 - Musique Et Sentiment Du Sacré - AL083








ALAIN FERON 2 - Musiques Dramatiques - AL084








ALAIN FERON 3 - Musique Et Politique - AL092








ALAIN FERON 4 - Musiques Transculturelles - AL099








ALAIN FERON 5 - Musique Presque Pure - AL108








ALAIN FERON 6 - Opéras - AL115



sábado, 22 de octubre de 2022

ALAIN FERON - Opéras - Enregistrementes Complets 6 - (AL115)

 

ref: AL115

Autor: Alain Feron

título: Opéras (enregistrements complets 6)

Plantilla:

L´ensemble Alternance / Fabice Bollon, L´ensemble Athelas / Jean Thorel, Claudio Cinelli, Sandrine Rondot, Adrian Brand, Jérôme Corréas, Ensemble Denojours / Christophe Vella, Jean-Philippe Courtis, Michel Lecocq, L´ensemble de L´Itinéraire / Farad Mechkat

date:  22 oct. 2022


Esta edición es una colaboración entre Sounding Arts Collective y Alina Records

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Con esta sexta entrega cerramos el ciclo de la publicación de registros sonoros de la obra del maestro Alain Feron. (Sin embargo, estamos felices de saber que en este momento el guitarrista Steve Gibbs y el propio Alain Feron están trabajando en la grabación integral de las obras para guitarra escritas por el compositor.)

En esta ocasión presentamos el excelente y originalísimo material que representan sus trabajos operísticos entre los cuales encontraremos dos óperas completas (LE TRESOR DE LA NUIT y LE BARRIQUE D´AMONTILLADO) Y otras dos obras (WHAT ABOVE EVE y ON THE OTHER SIDE OF THE WIND) que son extractos arreglados sin las voces de otra ópera escrita por Alain Feron (L´EVE FUTURE) cuya partitura, lamentablemente, nunca fue interpretada. Sin embargo estos dos extractos brillan con luz propia como obras independientes y suponen dos cumbres de indiscutible excelencia dentro del catálogo del artista.

Le Tresor De La Nuit es una ópera en miniatura (según considera el propio autor), una ópera escrita para marionetas que plasma el tema de incomunicación entre las personas a modo de fábula. Un problema tan actual y latente en nuestro mundo presente… somos marionetas que simulamos comunicarnos...

Le Barrique d´Amontillado basa su libreto en el estremecedor relato de Edgar Allan Poe, con el que el compositor felizmente se encontró mientras buscaba infructuosamente un tema adecuado para enfrentarse al reto de componer una ópera. Se trata de una de las primeras obras de Feron y finalmente fue grabada en versión de oratorio.

L´Eve Future es la ópera nunca representada de Alain Feron y de la que el autor realizó los dos extractos susodichos (WHAT ABOVE EVE y ON THE OTHER SIDE OF THE WIND). Su libreto se basa en la obra homónima del sorprendente escritor Auguste Villiers (1886), una novela que se puede considerar como una anticipación de lo que hoy consideramos como “ciencia ficción”, que contiene el paradigma de haber creado el término y concepto de “androide”. Quizás “ginoide” sería el vocablo adecuado, pues esta novela del siglo XIX que presenta la creación de un “robot” femenino para servir como esclava de un joven Lord, en sustitución de la mujer que "ama" y por la cual no es correspondido. Los dos extractos instrumentales que realizó Alain Feron de esta ópera son tan brillantes y geniales como oscuro y aterrador es el guión de la novela de Villiers.

Como en las anteriores ediciones de Enregistrements Complets ALAIN FERON, pueden consultar las sinceras y reveladoras notas traídas por la mano del autor…

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PALABRAS DE ALAIN FERON ACERCA DE LAS OBRAS

    WHAT ABOUT EVE   

Dans l’opéra que j’ai écrit d’après Villiers de l’Isle-Adam (L’Eve Future) et dont Michel Beretti fut l’adaptateur et le librettiste, il y a une scène où Edison (l’inventeur du phonographe) donne à son ami Lord Ewald (1), des informations essentielles à la compréhension de l’action. Notamment, la façon dont il a conçu sa « Femme – Machine » (dénommée Hadaly, ce qui signifie en persan « la femme idéale »).

Mais surtout, Villiers nous donne, là, tout ce qu’il nous faut savoir sur Annie Anderson : laissée pour
compte par son mari au profit d’une... danseuse de cabaret (nous sommes à la fin du 19ème siècle, ne l’oublions pas), puis recueillie par Edison en son château près de New York et qui, très malade, développe alors des dons extraordinaires de médium.


C’est d’ailleurs elle (lorsqu’elle est en transe somnambulique) qui donne sa voix à Hadaly sous le nom de Sowana.

Et c’est encore durant ces explications d’Edison que l’on comprend, en partie, que sa Machine lui « échappe » parfois, comme si elle prenait de temps à autre une véritable autonomie de pensée. De là à déduire que l’esprit de Sowana pourrait s’incarner dans cet artifice de femme...

La réponse à cette question laissée en suspens (et qui donne tout son sel aux interventions d’Hadaly ) nous sera donnée à la toute fin de l’opéra.

Et Villiers d’avoir en son roman la géniale idée de confier le support de ces explications à trois films tournés par Edison lui-même. Films que celui-ci projette à son Lord ami tout en les commentant et en répondant aux questions que leur visionnage suscite.

On ne pouvait rêver plus pertinente intrusion dramatique du cinéma dans l’opéra, n’est-ce pas ? En outre, le metteur en scène qui avait accepter l’enjeu de cette partition n’était autre que le cinéaste Raoul Ruiz, grand connaisseur de cette littérature mais aussi véritable musicien (sachant lire une partition !).

C’est ainsi qu’en l’attente de réponses hypothétiques de la part de certaines scènes françaises sollicitées pour la création de cet opéra, je décidais de réaliser une version, sans les voix, de la musique de ces trois films.

Comme cette dernière était originellement orchestrée pour les mêmes douze instruments, le travail ne fut guère difficile et ne requit aucun ajout de musique, simplement de la copie.

J’intitulais cette partition (avec un humour teinté d’ironie) What about Eve ? (Qu’en est-il d’Eve ? ... Cette Eve étant, en réalité, de  plus en plus... Future).

Avec ce titre, j’en profitais pour faire allusion au fait que cette page était une musique de film(s), tout en rendant hommage, par un vilain jeu de mots, à un célèbre film hollywoodien du grand Mankiewicz : All About Eve (portrait magnifique, sensible et cruel de la société américaine certes, mais aussi et surtout de l’archétype féminin que représente la figure tutélaire d’Eve... (Tiens, comme c’est bizarre, l’action se passe dans le milieu du théâtre !).

J’allais donc pouvoir disposer enfin d’une bande sonore qui permettrait, me disais-je, d’éviter l’écueil que représente l’envoi, perçu apparemment comme une indélicatesse, d’une simple partition (celle-ci faisant en effet appel aux capacités de lecture musicale de celui qui la reçoit). Depuis ? Le soleil se lève toujours à l’Est...

(1) Ce dernier, voulant se suicider pour n’avoir trouver d’amour qu’en la beauté d’une Cantatrice qui n’émeut point son esprit, a reporté son acte fatal à la demande d’Edison qui a parié avec lui qu’il réussirait à le faire tomber amoureux de la Femme Idéale (« son » Hadaly,  bien entendu).

    ON THE OTHER SIDE OF THE WIND    

Désespérant de ne pouvoir faire créer mon opéra L’Eve Future (d’après Villiers de l’Isle-Adam), je


pensais, à l’époque, que seul un nouveau document sonore (l’extrait des musiques de films constituant What about Eve ? ne semblant point suffire) pourrait pallier à l’inconvénient de ne trouver aucun responsable de maison d’opéra susceptible, soit d’avoir le temps de se plonger dans une partition manuscrite de 250 pages (même propres et lisibles), soit de posséder les qualités musicales techniques nécessaires à sa lecture.

Restait donc l’option d’en faire jouer d’autres extraits...

Une commande de l’Ensemble Athelas (par le biais de la Radio Danoise) me permit de mettre ce projet à exécution.

Se posa alors une autre problématique : celle de la nomenclature. Car si, pour What about Eve ?, le texte original n’avait subi aucunes transformations, je devais en revanche me résoudre à pratiquer ici une réduction d’orchestre afin de me couler dans la nomenclature de l’ensemble danois : une réorchestration était donc en partie nécessaire.

Pour débuter cette partition, je choisis en premier l’interlude orchestral entier, qui, à la fin de l’opéra, nous plonge dans la tempête où The Wonderful coulera avec, à son bord, Lord Ewald et Hadaly (la Femme – Machine « idéale »).

Et si j’incluais le passage suivant (celui où Edison reçoit en son laboratoire un télégraphe annonçant le naufrage du bateau en question), je ne saurais dire aujourd’hui avec exactitude où je pratiquai les multiples ponctions qui me permirent, tel un puzzle, de construire un tout m’apparaissant comme cohérent.

Malgré l’origine quelque peu patch - work de cette page, celle-ci « coule » absolument naturellement et se suffit, à mon sens, à elle-même. En tous les cas, mon propos de départ (faire créer L’Eve Future) n’atteignit point son but. Peut-être aurait-il fallu écrire simplement l’ouverture que cet opéra ne contient pas !

Quant au titre retenu, il est porteur (comme toujours chez moi) d’au moins deux significations. On the Other Side of the Wind fait ainsi référence directe au titre d’un film qu’Orson Welles (pour qui j’ai une immense admiration) n’a hélas jamais pu réaliser. En outre, comme l’interlude orchestral de la tempête est le seul morceau de cet opéra à être resté ici entier... l’allusion me semblait assez bien venue d’autant que c’est de l’autre côté de la scène (dans la fosse) que cet interlude se devrait d’être entendu.

    LE TRESOR DE LA NUIT    

La marionnette entraîne un certain nombre de contraintes : n’étant pas douée d’expression, c’est en effet le geste d’un autre corps qui lui donne sens et vie.

J’ai ainsi conçu une action musicale au déroulement rapide et un temps resserré dans sa dramaturgie. C’est pourquoi j’ai opté pour un opéra en miniature où chacune des trois scènes condense un acte traditionnel.

Cet opéra comporte ainsi « son » ouverture (ici, un prologue », « ses » récitatifs (ici, des interludes préparant et liant chaque scène à la suivante et dans lesquels le récitant tient un rôle prépondérant), « son » duo d’amour et « son » trio final (ici réduit à une quinzaine de mesures).

Ces conventions opératiques, revisitées de l’intérieur, m’ont conduit à caractériser chacune des scènes : l’esprit d’un scherzo pour la première, une valse pour la deuxième et un choral pour la dernière.

Rien de tout cela n’est  cependant à relier à l’expression d’un esprit systématique puisque tout est ici pensé musicalement, en fonction des nécessités de la dramaturgie (j’ai en effet une aversion personnelle pour toutes les logiques musicales attendues où le matériau est forcé de se plier aux seules exigences de la Pensée dite « intelligente »).

Le Trésor de La Nuit possède en outre sa séquence thématique récurrente. Donnée à entendre dès le prologue, elle prend au cours de l’œuvre sa pleine et entière signification.

Opéra sur l’incommunicabilité entre les êtres, les lignes vocales de la partition donnent ainsi à « entendre » cette surdité à « l’autre ».

Reste que la clé qui ouvre au trésor de la nuit se trouve, peut-être,  au point même où tout se noue et se dénoue... dans la musique.

L’œuvre est écrite pour trois chanteurs (jouant et interprétant cinq rôles) et seulement quatre instrumentistes dont deux  sont affiliés à des personnages.

Le violon est ainsi la « voix » (intérieure) d’Amantino mais aussi celle de la Petite Fille Triste. Quant à la clarinette, elle représente l’Alchimiste.

Le contexte dramaturgique laisse en outre deviner, à qui est quelque peu attentif, le rôle de double, de commentateur ou d’accompagnateur de ces instruments.

Quant au traitement thématique proprement musical, il est lié tout autant à l’évolution de l’action qu’à son souvenir ou à son anticipation. Le matériau en lui-même est constitué de très peu de cellules : les unes intervalliques, les autres rythmiques. Ce matériau assure cependant à l’œuvre : sa cohésion interne, son unité avec la dramaturgie et la signification symbolique de cette fable en forme de conte pour enfants (?)...

    LE BARRIQUE D´AMONTILLADO    

Une bonne dose d’inconscience, la volonté de se mesurer à une forme dramatique avant que d’aborder le « grand opéra » ; le désir de la voix, du texte, de personnages à incarner musicalement.

Hanté par Boris, Pelléas et Mélisande, Wozzeck. Non, opéra pas mort M. Théâtre Musical ! Pris au piège. La page se noircit. Plus de retour possible. Trop engagé, il faut poursuivre.

La peur du Temps, de manquer à la justesse expressive, à la vérité musicale. Les angoisses : face à l’emploi de l’orchestre aux couleurs si sombres, face à la forme par tableaux, face à la structure globale, face à la ligne vocale, face aux impératifs scéniques, face aux lois dramaturgiques essentielles.

L’affolement de rester seul sans le regard acéré de mon maître... Assumer ses faiblesses, ses manques, ses méconnaissances. Prendre les risques nécessaires, non inutiles. Se remettre en question perpétuellement. Et, sans cesse, le choix inéluctable qui régit à la fois ce qui précède et ce qui suit.


Tenter de ne pas mollir dans l’écriture. Aiguiser sa pensée et son autocritique... Il faudrait chaque jour pouvoir réécrire le déjà fait, affiner ses propres questionnements que les grands aînés ont quant à eux résolus.

L’écriture se fait lente, de plus en plus lente.

Tout a commencé à la lecture d’Edgar Allan Poe : la tentation irrésistible du fantastique. Le mythe de la Maison Usher et le fantôme de Debussy.

Perdu tout espoir de trouver « la » bonne nouvelle, suffisamment courte et suffisamment longue à la fois afin de servir de sujet opératique.

Mais, d’ailleurs, qu’est-ce que l’opéra, ses exigences, un livret, les nécessités dramatiques par rapport au musical ? Aucune idée claire à ce sujet lorsque Harry Halbreich me parla de La Barrique d’Amontillado ! L’histoire d’une vengeance horrible : l’époque en est lointaine, du temps où l’on n’hésitait pas à laver dans le sang une humiliation. L’objet de celle-ci nous restera inconnu, Poe ne donnant aucune clé du passé des deux protagonistes en présence... Le prix à payer est cependant élevé : emmuré vif !

Premières réactions : belle minceur de ressort dramatique pour un opéra ! Où se trouve l’universel humain dans ce meurtre sans passions ni explications ? Quant à la musique éventuelle, le rébus qu’elle posait me semblait bien embrouillé : pas d’action, psychologiquement quasi inexistant, moralement insoutenable. Autant d’objections balayées par l’enthousiasme d’Harry Halbreich lorsqu’il m’apporta le livret et la structure formelle sur un plateau d’argent.

La tentation alors : de la forme (suite de stations chantées et de cheminements uniquement instrumentaux), de la gageure de signifier musicalement cette descente aux enfers (trois niveaux avant la crypte fatale), du problème musical posé par l’emmurement et enfin par le duo des cris qui y est inséré.

Alors, pourquoi pas ? Ce fut ainsi décidé. Mon maître (Ahmed Essyad) travaillait alors sur son opéra : L’Eau. Je lui soumettais les esquisses de la partition.

Le travail commençait qui requit les conseils et la collaboration d’Anne Brigitte Kern (pour la dramaturgie).

Travail, hélas, non mené à terme pour la création en oratorio lors du Festival des Musiques du XXème siècle d’Angers. 

Depuis, Fortunato est bel et bien emmuré, et la partition, achevée, dort quant à elle dans un tiroir tel l’infortuné en sa crypte mortuaire.

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Alain Feron is a member of Sounding Arts Collective

(puede consultar la biografía de Alain Feron en las dos ediciones primeras de su obra: Alain Feron 1 y Alain Feron 2)

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Puede consultar aquí las 6 ediciones de ALAIN FERON ENREGISTREMENTS COMPLETS

martes, 4 de octubre de 2022

MIGUEL GIL - Oral Rights In Parla - (AL114)

 

ref: AL114

Autor: Miguel Gil

título: Oral Rights In Parla

Plantilla:

Miguel Gil - electrónica, informática y diversos instrumentos (saxos, clarinete, flautas, lira y whistles)

fecha de publicación: 5 - oct - 2022





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Oral Rights In Parla es el extraño título que el maestro Miguel Gil ha dado a su última obra en Alina Records. Tan intrigante como sus tres anteriores trabajos, posee este, sin embargo, un tono aparentemente más desenfadado. Pero no debemos confiarnos: tras la enriquecedora y grácil escucha, nos sentiremos testigos de un nuevo e intransitado espacio sonoro que hemos disfrutado pero que no somos capaces de reconocer, de identificar con algo conocido.

Nos enfrentamos, pues, a una obra profunda con dos niveles paralelos de percepción. Uno de ellos es la brillante, bella y rica carcasa sonora que por sí misma justificaría plenamente su sentido como importante obra musical: una fastuosa “suite robótica” con encantadores pasajes de “scifi”. El otro nivel es el que descubrimos tras la entretenida escucha de la obra sonora, que nos deja en un estado de reflexión e inquietud acerca de sus posibles significados y sentidos. Sabemos que existen y son carnosos, pero quedan en ese espacio profundo de las relaciones poéticas de imágenes. La experiencia nos ha envuelto y se ha ganado un lugar en nuestro espacio íntimo, y la aceptamos y queremos con todos sus enigmas, bellezas y sutilezas; con toda su carga de confiada inquietud, riqueza sonora, variedad floral y antimanierismo.

Sospechamos que los robots y las máquinas, con sus extrañas personalides, quizás hayan alcanzado un nivel superior de eso que llamamos “humanidad”… quizás estén utilizando nuestros ajados recursos expresivos para articular un nuevo lenguaje o una magia de hipnótica que nos llevará a un nivel superior…

Disfruten de esta breve experiencia en streaming o descarga libre y con cascos… o con un buen equipo a buen volumen…

DESCARGA LIBRE DE ORAL RIGHTS IN PARLA

Oral Rights In Parla en la Radio:

https://radiokras.blogspot.com/2022/10/vericuetos-486-25-10-22.html?spref=fb&fbclid=IwAR3oBW-C-uBnU6k4GA4QnTUSGEskZgSPGGOBfmFv52p7dBNBgL4t_SIVMhM

otras obras del autor en Alina Records:



martes, 27 de septiembre de 2022

Sobre ISLAS DE MEMORIA (por Pedro Linde)

ISLAS DE MEMORIA.

 (Impresiones a partir de la escucha de la obra sonora homónima de Alla Yanovsky y Josep Manuel Berenguer).

El propio título genérico de esta singular obra de Alla Yanovsky y Josep Manuel Berenguer, Islas de memoria, así como los títulos asociados a sus tres secciones, Molly Bloom, Sis temes a la memòria y Molloy -AHORA-, nos sugieren desde el primer momento la idea de viaje, un recorrido que transita por diferentes espacios, pero también, y de manera muy significativa, por diversos tiempos, que son quizás los tiempos de la memoria, entendida como archipiélago en el que de los derribos del mar del tiempo, emergen islas de vivencias recobradas y vivificadas a las que nos aferramos una y otra vez para quizás sortear la muerte, que es el olvido. Los recuerdos se construyen así, como un laberinto transitable, y es aquí donde la música de Alla y Josep nos va guiando, a la manera de viaje iniciático.

Sorprende en este tránsito la combinación de secciones experimentales (objetos, procesamiento electrónico), con otras de coloración más emocional (guitarra y flauta), perfectamente soldadas e integradas en una unidad coherente.  Los diferentes registros expresivos se van intercalando de manera natural en una gama que discurre entre la objetividad de la búsqueda tímbrica, hasta registros evocadores que no desprecian cierta ensoñación nostálgica, pasando por secciones más expresionistas e inquietantes de atmósfera beckettiana.

Molly (escuchar)

El recorrido sonoro literario y ficcional comienza convocando a la joyceana Molly a través de la alquimia de unos objetos sonoros que sugieren el ajetreo de su vida objetiva, pero también de su vida mental en un caótico y laberíntico vagabundeo. El viaje de esta primera pieza acaba con una sección donde la flauta de Alla va trenzando unas melodías evocadoras que transitan a su vez por islas de nostalgia del pasado gibraltareño de Molly. Resulta fascinador el tratamiento sonoro de esta sección, donde el sonido de la flauta tiene un doble especular, una especie de halo espectral que sugiere metafóricamente esa otra realidad fantasmática, un tanto borrosa, pero al mismo tiempo intensa, que llamamos recuerdo.

Sis Temes A La Memória (escuchar)

La segunda sección, Sis temes a la memòria, ya define explícitamente las estaciones de su periplo: seis islas de recuerdos sonoros y vivenciales cantados por una guitarra de cálido y emocionante registro que nos sumergen en un intimismo encantador. Después de unos evocadores guiños bluesísticos, sobre el minuto 3, se une la flauta para dialogar con la cuerda. Las partes de esta especie de tren sonoro se suceden sin que notemos la más mínima costura: la mirada aural del poeta sonoro unifica la variedad del paisaje en un viaje ininterrumpido de 15:27 minutos de duración.

Molloy - AHORA (escuchar)

La tercera pista nos lleva a una atmósfera más asfixiante, devolviéndonos abruptamente al presente; es como si nuestra embarcación se hubiera internado en un manglar sin aire donde el sonido se estanca, se petrifica, en un túnel sonoro donde los chirridos y la extraña agitación de sonidos-ruido, nos sume en una inquietante pesadilla sensorial. La referencia a Molloy describe a la perfección las sensaciones en las que nos interna esta pieza. El viaje vira al interior y penetra en la parte más peligrosa de la realidad, que es nuestra propia psique. El magistral procesamiento sónico de objetos va describiendo a la perfección diferentes planos de la psique atormentada hasta desembocar, sobre el minuto 11, en un canto a cargo de la flauta, que se torna en desesperanzado, pero al mismo tiempo calmante y catártico final de viaje. De nuevo, el sonido de la flauta, procesado en forma de resonancia, reverbera como un eco de la memoria, un recuerdo, quizás recuperado, de un anhelo inmarcesible.

Pedro Linde. Septiembre 2022.

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sábado, 17 de septiembre de 2022

ALLA YANOVSKY & JOSEP MANUEL BERENGUER - Islas De Memoria - (AL113)

 

ref: AL113

Autor: Alla Yanovsky & Josep Manuel Berenguer

título: Islas De Memoria

Plantilla:

Alla Yanovsky - flauta travesera, platillos (cymbals), instalación-set de madera invención propia y objetos.

Josep Manuel Berenguer - guitarra flamenca y proceso de sonido

ilustración de portada - KAFFA

fecha de publicación: 17 - sept - 2022


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El dúo Yanovsky / Berenguer ya es conocido para los seguidoras de Alina Records. Con este nuevo registro las artistas nos presentan el nuevo proyecto en el que han trabajado con dedicación durante los últimos meses. El oyente celebrará tanto su sonido y concepto ya reconocibles como las sorprendentes novedades por las que apuesta, y sabrá aplaudir esta obra incatalogable llevada a cabo gracias al trabajo en común de dos personalidades tan importantes e influyentes como lo son los dos componentes de este sorprendente dúo.

La exquisita combinación de la flauta y percusiones de Alla Yanovsky con el procesamiento de sonido de Josep Manuel Berenguer (que también nos regala una sorprendente muestra de su maestría con la guitarra flamenca) nos mostrará, en esta nueva ocasión, toda una reflexión sensualizada acerca de nuestra memoria sonora y musical. En modo programático, se revela ante nuestros oídos todo un despliegue sensorial y conceptual magníficamente trabado por las dos artistas, dando como resultado una obra sin costuras tan emocional como analítica.

Tras sus dos obras anteriores (Trakovsky 30 y El Silencio De Las Sirenas) este dúo se convierte en un “clásico” de la música “anticlásica” con esta tercera entrega que representa una vez más su compromiso imparable con la creación honesta y libertaria.

Será de justicia comentar que esta exquisita grabación del dúo realizada en Barcelona se ha llevado a cabo gracias a la desinteresada colaboración de  Orquesta del Caos y HANGAR. ORG


Les dejamos en manos de la pluma de las autores:

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Sobre Islas De Memoria

Islas de memoria es un álbum de música electroacústica que contiene tres relatos sonoros improvisados, separados por sus contenidos pero unidos por la idea de memoria, que se manifiesta en las huellas que los recuerdos imprimen. En Sis temes a la memòria, se trata de nuestros propios recuerdos. Pero en Molly Bloom, que procede de Ulysses, de James Joyce, o en Molloy-Ahora, que se basa en Molloy, de Samuel Beckett, las tramas hacen referencia a recuerdos y vivencias experimentados por personajes literarios ficticios en estados de conciencia alterados.

Memoria es una propiedad universal de los seres vivos y hasta de la materia inerte. En el caso de los humanos, se trata de una habilidad que nos forja y nos transforma a lo largo de nuestra vida. Por momentos, sin razón aparente, o al menos sin darnos cuenta de las razones,  procedentes de las profundidades de la memoria, los recuerdos afloran a la superficie. “No percibimos más prácticamente que el pasado, siendo el presente puro el imperceptible progreso del pasado…” ( Henri Bergson, Materia y memoria ). Entonces, estas sensaciones y afectos, estados emocionales provocados por algo que está pasando en el presente, despiertan las grietas, rupturas, heridas, tanto como recuerdos felices aunque nostálgicos. El discurso sonoro de este álbum ha sido cuidadosamente ajustado a estos contenidos, con la intención de ser compartidos en la esfera pública en el contexto actual, particularmente turbulento e inestable.

Molly Bloom   

El personaje imaginario de Molly Bloom creado por James Joyce en su mítica novela Ulises, que 
cumple 100 años en este 2022, es una mujer que nació y ha pasado los años de su niñez en Gibraltar, su madre también fue española de origen sefardí. El Monólogo de Molly Bloom escrito por Joyce sin puntuación, dio idea a este flujo ininterrumpido, reflejo de un lenguaje cercano al delirio, cargado de imágenes, aromas y sonidos del pasado, sobre todo de sus tiempos felices en Gibraltar. Molly es una cantante de ópera en Dublin, de cierta fama, pero su vida está destrozada por perdida de su único hijo, Rudy, de 11 meses de edad. Los ecos sonoros procedentes de España, como taconeo de bailaores, castañuelas , se mezclan con este constante “ruido” de palabras que invaden la mente de Molly, incapaz de parar. Como instrumento clave uso una caja de madera con separaciones por compartimentos de varios tipos de madera, haciendo sonar diferente a cada pieza interviniendo esta instalación de madera con los objetos.

Unas palabras sobre la melodía que suena como una metáfora de la memoria del pasado; infancia y juventud de Molly:

Verdi acude a las resonancias de la música española en varias de sus óperas. Pide a un amigo suyo, entendido en el tema Francesco de Piave, el cual le proporcionó alguna vez música folklórica española para su inspiración. Entre otras melodías se encontraría “Adios querida”, cantiga muy antigua, exquisitamente triste de sonoridad y letra. Así de nuevo nos sumergimos en la memoria y sale a la luz una melodía española que tendría más de 500 años de historia.  De este modo tanto vale “Addio del passato”, aria de Traviatta de Verdi, como la vieja canción española, que coinciden totalmente nota por nota, para hacer “cantar con la voz rota” por la tragedia a Molly, en esta ocasión trasladada a sonidos de flauta.

Final del monólogo : “... yo era una flor de la montaña si cuando me ponía la rosa en el pelo como las andaluzas ….Si “

(texto: Alla Yanovsky) 

Sis temes a la memòria   


Sis temes a la memòria es una construcción que interpreté el 9 de Julio de 2009 en NauCôclea para rendir homenaje al desaparecido artista conceptual barcelonés Jordi Benito, gran amante de la música. Nunca más presenté ese trabajo en público. Contiene seis piezas. La primera es 'In a Silent Way', de Joe Zawinul, tema del que existen muchísimas versiones. En este caso, la técnica guitarrística recuerda algunas figuras de sabor flamenco. Sigue una pieza conocida como el 'Epitafio de Seikilos', anónima, probablemente del sigo II a C, considerada como la música más antigua que nos ha llegado completa. En ese momento, la expresión melódica de las dos versiones distintas que discurren paralelamente se ve reforzada por efectos sutiles de percusión ejecutados por Alla Yanovsky así como por materiales de naturaleza algorítmico-electrónica articulados en la proximidad melódico-tonal de las últimas notas de los fraseos. Ese fragmento da paso al siguiente tema, en la misma tonalidad y del que desgraciadamente no recuerdo el nombre. Se trata de una de las primeras melodías del compositor e improvisador catalán Joan Saura. Nunca la he visto escrita, pero siempre la he interpretado igual. Estoy casi seguro que mi versión coincide bastante con la que una única vez escuché de Paco Pi al violoncelo, a mediados de los años 70, en un concierto del grupo Rambla, en la sala Zeleste de la Calle Argenteria. Tras ella, que se desarrolla en el registro más grave de la guitarra, se presenta súbitamente y en el registro agudo un viejo tema mío al que nunca puse nombre y que, junto al fraseo siempre evocador de la flauta de Alla Yanovsky, que se construye de retazos melódicos de los materiales iniciales, abre paso hacia una larga secuencia de acordes arpegiados sobre los que la flauta continúa planeando en la nostalgia. Es lo que considero el quinto tema en cuestión, al final del cual, con el fraseo de fondo de la flauta, se repite nuevamente aquella pieza sin nombre, ahora como puente hacia la versión de Naima, de John Coltrane, con la que concluye este tránsito por la memoria de quien en otro tiempo fui.

(Texto: Josep Manuel Berenguer) 

Molloy - AHORA   

Resulta difícil entender o aplicar alguna lógica a los recuerdos de Mollloy de Samuel Beckett, están borrosos, desfragmentados. Su cordura corre peligro y en su sensación espacio- temporal se mezclan pasado y presente, no está seguro de nada, confundido. La escritura “ experimental “ de Beckett me guía en el manejo experimental de los sonidos, producidos por los objetos, instrumentos de invención propia que hacen girar a los platillos finos turcos hand made y flauta que uso en esta pieza a modo de máquina de escribir. La desfragmentación de los recuerdos se convierte en un zumbido, la memoria de Molloy esta desenfocada, sus pensamientos son ruidos . El proceso de sonido de Josep Manuel Berenguer refuerza y aporta una atmosfera apropiada , casi onírica, a lo que nos proponemos expresar. Lo particular de este personaje es que tiene muy poco movimiento. Gilles Deleuze hablaba de un “devenir piedra” en relación con Molloy, ya que este no sabía ni dónde está, ni para qué, y además, no se movía. “La única manera de avanzar es detenerse “ ( Molloy, Beckett ) Vinculo entre el sonido y la catástrofe emocional, tanto como su imbricación con la sensación, son evidentes en la obra de Beckett, están trasladados a la idea de esta pieza. La aporía contemporánea del personaje de Molloy nos lleva a pensar que no es tan alejado de nuestros tiempos, de la inseguridad del territorio en la sociedad actual.

  Los ruidos, el sonido que antecede a las palabras, resuenan en la cabeza de Molloy como zumbidos persistentes. Para Beckett es evidente que “traer el silencio es el papel de los objetos”.  ( Molloy, Beckett ) Por un lado, el silencio es más importante que el habla, por el otro, el mundo de Molloy está lleno de sonidos como susurros, bocinas de bicicleta (que al dejar de usar la bicicleta se ha quedado muda), aullido de un perro, su propio grito imaginario. “Siempre digo demasiado o demasiado poco…” (Molloy, Samuel Beckett ) , esta característica del personaje me lleva a los bruscos cambios de velocidades en este relato sonoro y un manejo del ritmo acorde con esta idea. Muchos pensamientos de Molloy están envueltos en silencio, “no podemos darle nombre a eso… eso es silencio, es todo “ ( George Bataille , Silencio de Molloy ). Otros gritan o se convierten en llanto. Por supuesto la soledad ocupa casi todo. Un personaje complejo, solitario, atormentado. Beckett utiliza adjetivos como miserable, agotado, apático… Es el signo de nuestros tiempos. Es un personaje atemporal, un personaje actual, Molloy de “ Ahora “

(texto: Alla Yanovsky)

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ISLAS DE MEMORIA (por Pedro Linde)

 (Impresiones a partir de la escucha de la obra sonora homónima de Alla Yanovsky y Josep Manuel Berenguer).

El propio título genérico de esta singular obra de Alla Yanovsky y Josep Manuel Berenguer, Islas de memoria, así como los títulos asociados a sus tres secciones, Molly Bloom, Sis temes a la memòria y Molloy -AHORA-, nos sugieren desde el primer momento la idea de viaje, un recorrido que transita por diferentes espacios, pero también, y de manera muy significativa, por diversos tiempos, que son quizás los tiempos de la memoria, entendida como archipiélago en el que de los derribos del mar del tiempo, emergen islas de vivencias recobradas y vivificadas a las que nos aferramos una y otra vez para quizás sortear la muerte, que es el olvido. Los recuerdos se construyen así, como un laberinto transitable, y es aquí donde la música de Alla y Josep nos va guiando, a la manera de viaje iniciático.

Sorprende en este tránsito la combinación de secciones experimentales (objetos, procesamiento electrónico), con otras de coloración más emocional (guitarra y flauta), perfectamente soldadas e integradas en una unidad coherente.  Los diferentes registros expresivos se van intercalando de manera natural en una gama que discurre entre la objetividad de la búsqueda tímbrica, hasta registros evocadores que no desprecian cierta ensoñación nostálgica, pasando por secciones más expresionistas e inquietantes de atmósfera beckettiana.

El recorrido sonoro literario y ficcional comienza convocando a la joyceana Molly a través de la alquimia de unos objetos sonoros que sugieren el ajetreo de su vida objetiva, pero también de su vida mental en un caótico y laberíntico vagabundeo. El viaje de esta primera pieza acaba con una sección donde la flauta de Alla va trenzando unas melodías evocadoras que transitan a su vez por islas de nostalgia del pasado gibraltareño de Molly. Resulta fascinador el tratamiento sonoro de esta sección, donde el sonido de la flauta tiene un doble especular, una especie de halo espectral que sugiere metafóricamente esa otra realidad fantasmática, un tanto borrosa, pero al mismo tiempo intensa, que llamamos recuerdo.

La segunda sección, Sis temes a la memòria, ya define explícitamente las estaciones de su periplo: seis islas de recuerdos sonoros y vivenciales cantados por una guitarra de cálido y emocionante registro que nos sumergen en un intimismo encantador. Después de unos evocadores guiños bluesísticos, sobre el minuto 3, se une la flauta para dialogar con la cuerda. Las partes de esta especie de tren sonoro se suceden sin que notemos la más mínima costura: la mirada aural del poeta sonoro unifica la variedad del paisaje en un viaje ininterrumpido de 15:27 minutos de duración.

La tercera pista nos lleva a una atmósfera más asfixiante, devolviéndonos abruptamente al presente; es como si nuestra embarcación se hubiera internado en un manglar sin aire donde el sonido se estanca, se petrifica, en un túnel sonoro donde los chirridos y la extraña agitación de sonidos-ruido, nos sume en una inquietante pesadilla sensorial. La referencia a Molloy describe a la perfección las sensaciones en las que nos interna esta pieza. El viaje vira al interior y penetra en la parte más peligrosa de la realidad, que es nuestra propia psique. El magistral procesamiento sónico de objetos va describiendo a la perfección diferentes planos de la psique atormentada hasta desembocar, sobre el minuto 11, en un canto a cargo de la flauta, que se torna en desesperanzado, pero al mismo tiempo calmante y catártico final de viaje. De nuevo, el sonido de la flauta, procesado en forma de resonancia, reverbera como un eco de la memoria, un recuerdo, quizás recuperado, de un anhelo inmarcesible.

Pedro Linde. Septiembre 2022.

DESCARGA LIBRE DE ISLAS DE MEMORIA

los oyentes comentan:

Más que mis orejas, mis oídos musicales se han llenado de belleza con la creatividad de esta obra. A mí me parece que en la primera parte, la flauta suena solemne, cerca y lejos a la vez y sus ecos suenan a campanas y multitudes en distancias paisajísticas de roca y viento. La vuelta a las maderas y su tratamiento electrónico es matérica y conduce a la tierra a veces me hacia preguntarme. Que madera habrá utilizado Alla aquí? La 2a parte es igual de hermosa, la compenetración del primer plano de la guitarra que José Manuel ejecuta con maestría y belleza, su interpretación contiene un trasfondo melódico muy evocador y dramático se funde constantemente con la flauta y su paisaje eólico. La madera, la identifiqué en todas sus variaciones, oquedades y crepitaciones. Es un conjunto hermoso y policromático y es un privilegio poder disfrutarlo y sentirlo (Daniel Yacubovich)

Al contrario que otros trabajos, de otros que escuché de otros compositores, este respira y se deja escuchar de continuo sin que sea una imposición sonora... hay estructura, algo que se agradece en el caos del todo vale... excelente trabajo. (Mariano Lozano-Platas)

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