martes, 4 de julio de 2017

Catálogo - TONY PEÑA - (AL046)

ref: AL046

título: Catálogo

Autor: Tony Peña

Plantilla:

Tony Peña - Guitarra Clásica

fecha de publicación:

5 julio 2017









Enfrentarse a la improvisación solitaria con una guitarra clásica es uno de esos retos verdaderamente valientes y complicados. El guitarrista tinerfeño Tony Peña tiene la lucidez de realizar esta tarea utilizando con sutileza los amplios recursos sonoros del instrumento, pero sin avasallarnos con técnicas demasiado extendidas, respetando la voz noble y profunda de la guitarra clásica, su tradición y honesta resonancia.


Será un placer para los amantes de la guitarra escuchar estos desarrollos y propuestas libremente  improvisadas con el sonido impecable de la madera y el barniz, con la pulsación maestra y un curioso respeto a la tonalidad.


El gran valor de este registro sonoro reside precisamente en utilizar los medios y modos más clásicos para enfrentarse a una sesión de improvisación libre en solitario. Escuchando este Catálogo, estamos seguros de ser testigos de algo que debió ocurrir en infinidad de ocasiones en nuestra historia anterior al registro sonoro: El músico ante su instrumento en la soledad, explorando y confesándose, descubriendo en libertad la voz del instrumento que adora…

Tony Peña es conocido en el catálogo Alina por dos excelentes referencias anteriores: Dead Letters (con Joachim Spieth) y El Letargo Fósil (con José Gillén). En ambas presta su creatividad a la interacción en dúo… ahora es el momento de escuchar su voz más personal… que la descubran en descarga libre…



Otras ediciones del autor en Alina Records:



"Catálogo" de Tony Peña en la radio:
http://universosparalelosradioshow.blogspot.com.es/2017/07/emision-13072017.html

Los oyentes comentan:

"En esta ocasión, Tony Peña juega con la improvisación y consigue un trabajo sólido y variadísimo. Equilibrado en sus investigaciones, la escucha de "Catálogo", es muy agradable. Si amas la improvisación y la música con mayusculas, esta album te va a encantar." (M. E.)

jueves, 15 de junio de 2017

Les éléments de l'âme, L'âme des éléments - ANTONY MAUBERT - (AL045)

ref: AL045

Autor: Antony Maubert

título: Les éléments de l'âme,L'âme des éléments

plantilla:

Antony Maubert - Electrónica y sintes vintage


fecha de publicación:

15 Junio 2017





Una obra inspirada en la obra de un maestro del arte es, a veces, un modo eficaz de avanzar. Antony Maubert ha querido homenajear al maestro Tarkovski antes de que acabara el año 2016  que recuerda el treinta aniversario de su desaparición. Grabada en directo en el Ciclo Alina de Madrid (Nadir Gallery) y posteriormente tratada en estudio, esta nueva obra de Maubert reutiliza material sonoro de las películas del maestro ruso para crear un universo inspirado en la utilización de los “elementos” como materia sonora.

La cuidada postproducción sonora del evento en vivo es una de las bazas más inquietantes de esta obra sonora, dado que nos presenta el excelente registro improvisado en directo como una obra acabada de estudio, conservando la calidad del momento pero reflexionando a partir de ese material. Curiosamente, este proceder técnico es muy propio del maestro ruso y Maubert demuestra una profunda interiorización de este sutil uso de la “deriva en el tiempo”.

Escuchar la obra de Maubert suele invitarnos a entrar en un estado de hipnosis consciente, cálidamente tensa, un espacio en el que recrear sin prisas nuestra sensualidad del “estar aquí y ahora”, mientras utilizamos el material ofrecido por el artista para indagar en nuestro pasado…

El sonido como símbolo se recrea, en esta brillante obra del francés, en lo sensual, en la dosificación y en el guión sonoro como un elemento que fluye. El espejo que resulta ser la obra de Andrei pretende una contrapartida meramente sonora que reverbera en el interior del oyente. Maubert, a veces más radical en sus planteamientos conceptuales, plantea en esta ocasión un digno homenaje a la parte más mística del director, a la faceta humana que está en conexión directa con los elementos de la naturaleza y que se sabe parte integrante de ella.

Un uso exquisito y comedido de las dinámicas y su devenir temporal permite a Antony Maubert una herramienta para esculpir el tiempo que es claramente deudor del sentido cinematográfico tarkovskiano. Apreciaremos texturas veladas por fluidos y ondas perfectamente imbricadas en la inquietante estructura que se nos aparecerá tras el recuerdo.
Escuchar es recordar… y recordar es estar vivo…

Alina Records les invita a descifrar este Les éléments de l'âme, L'âme des éléments, llegando pacientemente hasta el final del camino, de la mano del Stalker Maubert.

Maubert escribe:


Las cuatro piezas no corresponden necesariamente a los cuatro elementos, aunque haya un movimiento cruzado entre el aspecto exterior de la música y las muestras sonoras extraídas de las películas de Tarkovsky (cuatro también: el agua y el tren de Stalker, la campana de Andrei Roublev, la casa incendiada de Sacrificio). Una trayectoria se dibuja como una caída desde los sonidos más aéreos del principio hasta los sonidos más barrosos de la segunda pieza. El hombre presente únicamente a través de su maquinaría: el tren (la tierra), la campana (el aire, el fuego) aparece finalmente con el sonido más místico: el soplo. Un soplo muy furtivo después de los pisoteos del Escritor en el agua y su monólogo sobre el descalabro de su ser. Tal como en las películas de Tarkovsky los elementos se mezclan- el agua barrosa en Stalker, la casa incendiada rodeada de charcos en Sacrificio… La música no pretende definir los elementos si no que reinterpreta una relación con la naturaleza entre desesperación y soledad.


Los oyentes comentan:
Tout se lève en même temps que tout
Tout se lève en même temps que tout
Tout m’accompagne dans où je vais
Tout passe par un parfum particulier
D’une efficacité immatérielle
Inquiétant mais direct
Chaque instant est d’une qualité impromptue
Persévérante et riche
Plus rien ne se termine
Si subtile les manifestations profondes
L’hypnose s’invite juste au font des connaissances
La conscience est tendue et est plongée dans l’espace
Sans aucune limite mesurable
Pour recréer la sensualité de l’expression
Maintenant les symboles se présentent
En s’inclinant doucement
En usage avec l’évolution
Je peux sculpter l’improbable
Avec une texture parfaitement vague
Qui chevauche avec le temporel
Une tempête pertinente
Des éléments en route
Je remplace la vie par l’être


Réjean Desrosiers © 2017 06 19 001

sábado, 10 de junio de 2017

LUMEN - Juan Carlos Castillo - (AL044)

ref: AL044

Autor: Juan Carlos Castillo

título: Lumen

Plantilla:
Juan Carlos Castillo - Guitarras acústica y eléctrica, efectos

fecha de publicación:
10 junio 2017







En este Lúmen del guitarrista Juan Carlos Castillo, se nos muestra todo el amor por su instrumento.  Partiendo de esta motivación el artista nos ofrece una fascinada colección de ideas, de apuntes improvisados que beben con placer de diversas y reconocidas influencias. Esta honesta actitud, asegura al músico unos resultados creativos finalmente personales e íntimos.

Juan Carlos Castillo es ya conocido en Alina Records por su ejemplar disco “Sondbites” (AL035) a dúo con el maestro Jorge Cabadas. Ahora, con “Lúmen” nos encandila con el ensueño de su universo creativo, un inquietante laberinto musical en el que no nos importará quedar atrapados.


Otras grabaciones del autor en Alina Records:

Los oyentes Comentan:

Desde el suspiro del comienzo, hasta el final, todo perfectamente ordenado en su justo lugar, con su duración precisa. Nos ofrece una obra única, pensada, estructurada, al celímetro, que consigue agitar nuestras emociones mas internas. Gracias a Juan Carlos Castillo por su honestidad. (Ricardo Marichal)

Música, en algunos tracks muy intimista, una música que me resulta muy fresca!!! frescura difícil de lograr en estas épocas donde muchos músicos encuentran refugio en el rudismo y la electrónica (ambos elementos muy dignos!! y que me agradan oir, otra parte elementos que son usados por mi) como siempre tengo una pieza preferida que es la número 4, saludos al colega Gran Trabajo!!!! (Osvaldo La Porta)

jueves, 25 de mayo de 2017

TARKOVSKY 30 - Alla Yanovsky & José Manuel Berenguer - (AL043)

ref: AL043

Autor: Alla Yanovsky & Josep Manuel Berenguer

título: TARKOVSKY 30

Plantilla:

Alla Yanovsky - flauta, platillos, campanas de mano, objetos

Josep  Manuel Berenguer -  proceso de sonido. Max

fecha de publicación:





“Así como percibimos las cosas allí donde están y debemos instalarnos en las cosas para percibir, así vamos a buscar el recuerdo ahí donde el está, debemos instalarnos de un salto en el pasado en general, en esas imágenes puramente virtuales que no cesaron de conservarse a lo largo del tiempo. Vamos a buscar nuestros sueños o nuestros recuerdos al pasado tal como en sí mismo, y no a la inversa.”
(Gilles Deleuze, Mil Mesetas)

Esta es una música nómada y rizomática, compuesta a veces de múltiples partículas de sonido, dispersas y caóticas, a veces, de melodías que surgen de la nada, como un ritornello, un recuerdo, un sueño. El diálogo entre humanos y máquinas, aquí entre intérprete y software, deviene diálogo entre máquinas, porque el humano se torna máquina en virtud de su instrumento, su herramienta. La naturaleza humana se transforma por su relación con una máquina. Es una instancia del Tekné. Tarkovsky30 es una experimentación electroacústica donde nada está dado de antemano y donde el sonido se moldea en un flujo constante de tiempo, espacio y partículas sonoras que se mezclan para crear sonoridades inesperadas, uno de los propósitos de esta forma de improvisación no melódica ni armónica ni rítmica que se convierte en paisaje, textura, imagen y afecto. Atraviesa esta improvisación una dinámica inevitable basada en la interrupción del flujo y en la evolución de la velocidad y de la intensidad. En ella, el material sonoro llega a sostenerse por su propio peso, como resultado de la expresión de la intención de crear movimiento en el interior de un sistema metaestable e indeterminista, donde la música queda libre e impersonal, venida desde afuera y dirigida hacia afuera. Nada le pertenece; ni Tarkovsky ni Artemiev ni las lluvias ni los verdes paisajes rusos salpicados de abedules, ni los recuerdos de infancia de Andrey. Es una materia sonora que, a pesar de tender a obedecer a sus propias leyes, escapa de la rigidez del molde gracias a la oposición de los sonidos del metal, del cristal y del agua con los sonidos rugosos resultantes del proceso en tiempo real. Se genera así un contraste, una contradicción entre simulacros sonoros extraídos del mundo creado por Tarkovsky y Artemiev -que acabaron viviendo fuera de Rusia-, donde una melodía o un sonido luminoso escenifican un tiempo de conflicto, de lucha constante y resistencia del exiliado.

La creación de nuevos instrumentos -en este proyecto, platillo encordado, muelle con imán y otros- define otro aspecto de esta búsqueda musical donde los músicos parecen perseguir inconscientemente el deseo de que el sonido les sorprenda a pesar de haber sido creado por ellos mismos. El empleo de objetos, como las copas de cristal, e instrumentos, como la flauta con técnicas extendidas empleadas, crea nuevas percepciones, nuevas  mezclas en las que los brillos del metal, del cristal y del agua son objeto de la transformación computacional, de manera que el dúo fluctúa y se multiplica. Se toca "a dos" pero unas veces se suena como uno y a veces, como una multitud. Los reflejos de los platillos, que son de diferentes alturas, timbres y tamaños, producen una multiplicidad de vibraciones que se mezclan con los reflejos del cristal y los sonidos agudos de la flauta se funden con los electrónicos rugosos y envolventes, a veces enfrentados entre si, a veces existiendo simplemente en un único espacio virtual. Por supuesto que esta música es también visual: nos preguntamos si existe en realidad un sonido sin imagen. Puede ser que la existencia de un sonido implique la existencia de una imagen. Pero puede que no. 

El dominio espacio-temporal es muy importante en esta música. Su configuración invita a experimentar estados oníricos, a vivir un presente-pasado-futuro anclado en las huellas subconscientes de la obra de Tarkovsky, que, con sus muchas lecturas posibles, una vez modificada por los filtros de nuestra percepción, deja unas huellas imborrables.

Se trata una y otra vez de convertir estas huellas en sonidos, en una materia sonora. Las imágenes-recuerdo, las imágenes-sueño, los nombres de la historia, persisten en lo virtual. Son partículas en continuo movimiento que configuran un espacio sonoro caosmótico. Esta vibración es el pensar. El componer. Pensar en lo virtual que se actualiza en la imagen-cristal. Esta música es actualización de las imágenes virtuales, modo de composición en tiempo real acerca de la imagen-cristal y el cristal del tiempo. Nuestras imágenes-recuerdo, imágenes-sueño, imágenes-sonidos, son ritornelli que nos afectan. Por eso persisten en la memoria.

Alla Yanovsky (Mayo 2017)

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DOSSIER TARKOVSKY
(personas que han meditado acerca de la obra de Andrei Tarkovsky. Work in progess)


HOMENAJE IMPROVISADO A ANDREI TARKOVSKY. Por Jorge Ruiz Abánades


Entre los muchos álbumes improvisados de En Busca Del Pasto (EBDP), hay usa serie dedicada a “Homenajes”, que a día de hoy cuenta con cuatro títulos: “Homenaje a John Zorn y Fred Frith” (2004), “Homenaje a Samuel Beckett” (2006), “Homenaje a Wittgenstein” (2010) y “Homenaje a Andrei Tarkovsky” (2010). Hay muchos otros nombres que merecerían nuestra atención, pero de momento han sido solo éstos los escogidos; y todos ellos fueron escogidos porque, a nuestro juicio, son autores que trabajaron (y que trabajan, el caso de los primeros, aún vivos) asuntos muy cercanos a los asuntos que interesan a EBDP como proyecto de estricta improvisación musical e investigación sonora y performativa. Dedicaré estas líneas a explicar por qué Andrei Tarkovsky se halla en esta lista.

Si tuviera que resumir en una línea el fondo que une toda la filmografía de Tarkovsky, diría que se trata siempre de una representación de la vida como acontecimiento poético (y místico). Esta fórmula, unida al célebre título de la obra escrita del propio cineasta, Esculpir en el tiempo, nos prestan todas las claves para entender el interés de EBDP por este autor.

Primero de todo, hay una cierta contrariedad (o una cierta dialéctica) entre esas dos fórmulas que he dado: la primera, en efecto, señala a la vida como “acontecimiento”, mientras que la segunda señala a lo mismo pero como “devenir”. La vida es un acontecimiento que deviene, una especie de perpetuum mobile; una presencia continua, absoluta y totalizadora, pero que al mismo tiempo es inasible instante tras instante, completamente incierta e imprevisible. Es lo más claro y lo más seguro que tenemos (que estamos vivos), pero al mismo tiempo es lo más impenetrable, lo más incomprensible, extraño y misterioso (que estemos vivos).

La idea de Tarkovsky de “esculpir en el tiempo” creo que responde bien al ánimo de representar la vida en esa dialéctica esencial. El concepto de lo escultórico nos sobreviene como esa presencia estable y constante de la piedra esculpida, del sólido monumentum, mientras el concepto de lo temporal nos introduce en el universo del cambio. ¿Cómo podríamos representar la vida en una escultura? En efecto, sólo haciendo que tal escultura esté tallada, no sobre piedra, sino sobre una materia temporal, como es, por ejemplo, la cinta de celuloide. El recurso fundamental del cine, sobre el que se sostiene cualquier otro recurso (de forma consciente y expresa en el cine de Tarkovsky), es la “duración”, el “ritmo”.

Esta idea nos permite vincular directamente el cine de Tarkovsky con el universo de lo musical en general. Por supuesto, la música fue siempre el arte temporal por antonomasia; más que ningún otro arte, el músico “esculpe el tiempo” (la mayoría de signos y anotaciones de una partitura posee carácter temporal). Los sonidos siempre tienen una duración, y una pieza musical es siempre una composición de duraciones. Lo que un músico hace es darle forma a ese tiempo que dura la pieza musical.

Llegados aquí, resta llevar nuestros pasos hasta el universo de la improvisación. Dentro de los géneros musicales, me aventuro a afirmar que la libre improvisación es el género más consciente de la esencia temporal de la música o, más aún, precisamente por ello, más consciente de la esencia temporal (y musical) de la vida. Más que ningún otro género, la libre improvisación representa un minuto de vida (y de música) en un minuto de representación. Un concierto de una hora representa con precisión una hora de vida (y de música). Porque vivir no es otra cosa que enfrentarse a la temporalidad, a nuestra propia e incierta temporalidad. El enfrentamiento con la vida entraña siempre esa incertidumbre de todo lo que deviene; y todo concierto de libre improvisación debe ser, por definición, incierto. Lo que define o caracteriza a un músico de libre improvisación es su capacidad de enfrentarse a su actuación sin tener una idea preconcebida y, entonces, el “cómo reacciona” ante el incierto devenir.

Desde luego, no podemos decir que Tarkovsky fuera un improvisador a la hora de hacer sus películas. Muy por al contrario, él afirma que el cineasta debe tener una idea clara de lo que persigue antes incluso de crear el guión. Pero, precisamente, ya que Tarkovsky quiere en sus películas representar la vida, y el autor sabe bien el carácter necesariamente incierto de ésta, él mismo busca recursos y procedimientos que sean fieles a ella. Por ello Tarkovsky buscaba también el carácter “reaccionante” de sus personajes ante el devenir de sus historias, y para ello debía preparar de un modo muy concreto a sus actores, por ejemplo, no rebelando de antemano los sucesos que habrían de sucederles en escenas posteriores. Así escribe Tarkovsky:

«Si la actriz hubiera conocido el futuro de la protagonista en El espejo, eso habría tenido consecuencias para ella. Pero, para nosotros, lo importante era que ella viviera aquellos minutos como si fueran minutos de su propia vida, cuyo “guión” afortunadamente le resultaba desconocido...
[…]
Lo más importante es que un actor, de acuerdo con su estructura psicofísica, emocional e intelectual, exprese un estado anímico que le sea propio, sólo suyo, y de una forma que también sea únicamente suya. De qué forma lo haga, eso da igual. Ello significa que, en mi opinión, uno no tiene derecho a imponerle a un actor una forma particular de expresión cuando un estado anímico forma parte real de su individualidad. Cada persona vive una misma situación de una forma propia, singular...
[…] Nunca he obligado a los actores a entender su papel de un modo determinado y estoy dispuesto a concederles la libertad más absoluta, si antes del rodaje me han demostrado su total independencia frente a una idea preconcebida...» [pp. 170-171]

Eso es: los actores han de enfrentarse a sus escenas sin ideas preconcebidas, pues ese es el modo de que expresen realmente el “estar vivos”. Creo que ese mismo principio es el que opera (o debe operar) en la libre improvisación musical: lo realmente expresivo de la libre improvisación no es tanto la particular música resultante («cómo lo hagan, da igual», decía Tarkovsky), como el hecho de mostrar su enfrentamiento con la incertidumbre.

Por pensamientos así, En Busca Del Pasto decidió homenajear a Tarkovsky.
...
Texto citado de Tarkovsky:
Esculpir en el tiempo (1986), ed. Rialp, Madrid, 1996.


Disco de En Busca Del Pasto (grabado en directo, en Valencia, el 11 de Diciembre de 2010)

ANDREI POR ALLA

“Para mi Tarkovsky  representa un mundo, un universo sonoro en el que prevalecen los sonidos de cristal, metal, sonidos de naturaleza, sonidos “industriales” y un espacio casi infinito lleno de imágenes sonoras. La niebla que suena y el sonido de una campana que se percibe visualmente … Me interesa mucho el concepto de “imagen cristal” porque tiene que ver con unas capas de memoria superpuestas, que pertenecen a las diferentes temporalidades; algo que va muy unido al sonido que también a veces surge del presente y a veces del pasado o del futuro…”
( Alla Yanovsky)

BREVE APUNTE SOBRE EL MUNDO SONORO DE ANDREI TARKOVSKI. Por Carlos Tejeda

Andrei Tarkovski era un devoto de la música de Johann Sebastian Bach, compositor de quien utilizó algunas de sus piezas para varias películas suyas. Sin embargo, la evolución sonora que experimentó su cine le llevó del clasicismo de las estructuras armónicas compuestas por Vyacheslav Ovchinnikov para El violín y la apisonadora (1960), film que supuso su licenciatura en el VGIK, la Escuela Estatal de Cine en Moscú, La infancia de Iván (1961) y Andrei Rublev (1966), sus dos primeros largometrajes como director, a las tesituras vanguardistas de Eduard Artemiev, uno de los compositores pioneros en el uso de la música electrónica, en Solaris (1972), El espejo (1974) y Stalker (1979).

«En el fondo yo tiendo a pensar que el mundo ya suena de por sí muy bien y que el cine en realidad no necesita música, con tal de que aprendamos a oír bien», escribe Andrei Tarkovski en Esculpir en el tiempo. Una idea que el cineasta plasmó junto con Artemiev suponiendo un nuevo giro conceptual dentro de la evolución formal de la banda sonora, al proporcionar un mayor valor al lenguaje de los ruidos y los efectos sonoros alcanzando nuevas articulaciones estilísticas y experimentales.

Stalker es quizá el título en el que el binomio Tarkovski–Artemiev llevan estas ideas a su máxima expresión. Además de música escrita por el compositor caso del leit motiv del film que desprende tanto influjos de la música oriental como de la medieval en cuanto al carácter de la propia melodía, se suma una gran variedad de sonidos naturales como los goteos del agua, la lluvia, el crepitar de la llamas, el soplo del viento o la maleza batida por el aire, así como los generados por las máquinas, desde el estrépito del ferrocarril hasta el traqueteo sincopado de una vagoneta. Sonidos que a su vez el compositor ruso armoniza musicalmente porque, por ejemplo, dicho traqueteo crea de por sí una cadencia minimalista repetitiva que Artemiev matiza con sonidos electrónicos creando a su vez un un espacio sonoro que acentúa la inquietud y la incertidumbre de los tres protagonistas durante su viaje a la Zona.

En una entrevista el propio Artemiev recuerda: «Me sorprendió mucho su actitud hacia la música en sus películas. Me dijo claramente que no necesitaba un compositor para nada. Solo el oído de un compositor y su magistral dominio del sonido para mezclar la música y crear efectos musicales. Quizá una pequeña orquesta, pero que no destacara mucho, un sonido de fondo con una composición organizada. Me quedé atónito. Así fue en los rodajes de Solaris, El espejo y Stalker. Su idea estaba siempre presente. No necesitaba la música como tema que se desarrolla. “Esto no es un concierto”, decía, “es algo especial. Si me faltan recursos cinematográficos, entonces pongo música”. Pero como tenía recursos suficientes sólo necesitaba al compositor para organizar la música de fondo. Cuando necesitaba música, como en Solaris, usaba a Bach»

Sin embargo, en sus dos siguientes títulos, Nostalgia (1983) y Sacrificio (1986), que cierra su filmografía, Tarkovski prescinde de la figura del compositor siendo él mismo quien se ocupa de la selección musical, casi siempre procedentes de la música clásica, pero llevando aún más al extremo su concepción sonora, en especial en Sacrificio que deviene en una arquitectura atonal en la que se intercalan los sonidos monocordes de las sirenas de los barcos o los graznidos de las gaviotas con la musica de carácter minimalista del flautista japonés Watazumi Dohso. Aunque una vez más estará presente su adorado Bach.

Textos citados: 
Andrei Tarkovski, Esculpir en el tiempo, ed. cit., pág 169.
Entrevista a Artemiev. Extras del DVD EL espejo. Ruscico. Editado en España por Track Media, Barcelona, 2006.

Carlos Tejeda ha publicado un libro acerca de la figura de Tarkosky;



viernes, 5 de mayo de 2017

EXOMUSIC 2 - Nieto, Piñango, Area, Robert, Díaz y nOn

ref: AL042

Autor: Varios

título: EXOMUSIC 2

Plantilla:

David Area
Juan Antonio Nieto
Javier Piñango
nOn (Rafael Pinillos & David Paredes)
Antoni Robert Gadea
David Díaz

fecha de publicación:
5 - abril - 2017




Esta segunda edición del proyecto Exomusic vuelve a proponer, a algunos de los más comprometidos músicos actuales, un esfuerzo de imaginación que pone a prueba la creatividad de cualquier artista. La tesitura de Imaginar la música que pudieran crear culturas extraterrestres exige realizar un análisis acerca de lo que es la expresión musical y nos plantea tantas dudas como inquietudes.

¿Es el hecho musical una manifestación común a todos los seres inteligentes? ¿Sus parámetros, medios y aplicaciones son los mismos que los nuestros? ¿Podemos entender la música sin la vibración de objetos físicos? ¿Pulso, tono y timbre son consideraciones ineludibles en cualquier contexto? ¿Es la música en todos los planetas considerada como una expresión artística?... la lista de planteamientos no tiene fin…

Desde Madrid, Juan Antonio Nieto, David Area, Javier Piñango, David Díaz y desde Tenerife, nOn (David Paredes & Rafael Pinillos) nos presentan sus valientes e inquietantes propuestas sonoras en respuesta a esta inusitada convocatoria.


Convencidos de que la Exomúsica será pronto una “modalidad” artística reconocida, Alina Records les presenta esta nueva y excelente edición en descarga libre… descarguen y escuchen con orejas abiertas…





Otros releases de los autores en Alina Records:




martes, 25 de abril de 2017

VACÍO - Atrio Serenade - (AL041)

ref: AL041

Autor: Atrio Serenade

título: Vacío

Plantilla:

Atrio Serenade - electrónica y grabaciones de campo

fecha de publicación:
26 - abril - 2017





Con esta edición, Alina Records presenta, interpreta y valoriza el excelente trabajo del artista chileno Atrio Serenade. Visibilizar su obra, desde un punto de vista concreto, es la intención de este “release” que transita entre el sordo automatismo y la más solemne humanidad.

Esta música, manifiesta el subterfugio de un creador intimista que trabaja con honestidad, persiguiendo la resolución de un dilema sonoro. Este camino es bello por sí mismo y los resultados se hacen oír… si los escuchamos con la calma y confianza, si permitimos que su resonancia nos conmueva e inunde nuestro tiempo privado por un rato. La música de Atrio Serenades es el rastro de un buscador sonoro, de un artista honesto que elude las modas y desatiende las meras apariencias. Concentra su trabajo en la esencia concreta del sonido y en la percepción humana del mismo; pretende aprehender la realidad puliendo aspectos del sonido en los que no solemos reparar: allí donde escuchamos el vacío resuenan muchas cosas.

En Vacío, nos dejaremos llevar por drones y grabaciones de campo utilizadas con sutileza y libertad, y reconoceremos su exquisito uso en favor de un discurso callado y elocuente, como resulta serlo el vacío: ese lugar donde no hay nada, pero resuena gracias a ese espacio inocupado.

Esta edición se nutre de dos ediciones recientes de Atrio Serenade en Bandcamp: Mirabilia XXI y Campos Humanos. Lo que pretende esta reestructuración en Alina es presentar un aspecto fundamental en la rica obra del autor que se relaciona con la búsqueda de sonoridades y estados que producen una leve e inconsciente hipnosis del oyente, texturas sonoras y tonales sutiles que requieren una escucha tranquila y prolongada para comprender su valor emotivo y expresivo.

Parte del trabajo de Atrio Serenade es una propuesta que consiste en como humanizar o agregar humanidad a un entorno tan poco humano como lo es el formato digital, donde la onda de sonido es representada por números, como ambición su inspiración fue evocar esas grandes obras maestras de épocas grandiosas de la música (como Haendel y otros) y trascender el tiempo con esa humanidad.

"En este sentido, Espléndido Reposo, tiene  una estructura  que comienza discretamente en pequeñas clamativas que van escalando la intensidad hasta que se llega a un descanso final o reposo. Religio Axis plantea un tira y afloja, una exhalación e inspiración en una tonalidad mas sacra, buscar un punto exacto…uno de los grandes temas que es la religión y su influencia en la historia y los entornos pero desde un punto de vista positivo, no confrontacional. Antiguedades Fragmentadas, es como juntar todas esas lumbreras, esas mentes que fueron una luz en su época y que al mismo tiempo siguen alumbrando nuestras mentes en la actualidad"

Otra parte importante de su trabajo consiste en representar lo que se vive en el interior de la mente y el alma humanas, con sonidos más susurrantes que fluyen con los pensamientos.

"Así, en Vacio Final trato de exponer una sensación de soledad, de una inmensa soledad cautiva pero que al mismo tiempo te puede ofrecer una sabiduría que viene desde el silencio y en las Visiones Del Paraiso resolvemos estas ideas en un pequeño lapso de tiempo como ofrecer un despertar o una salida refrescante y esperanzadora"


Descubrir la música mágica de Atrio Serenade será revelador y valioso; descarguen y escuchen sin prisa…

Los oyentes comentan:

Siempre le he tenido envidia a la música de baile (desde la de las fiestas mayores a el IDM) porque ellos tienen ganada una relación con el público directa: la correspondencia entre el movimiento corporal y el ritmo. De esta forma, el oyente participa de la experiencia háptica y cinética de la música, la complementa y se funde en ella. Los que hacemos música no bailable perdemos ese canal que es, incluso para algunos, la única relación real entre oyente y músico.
Sin embargo, el cuerpo no está quieto ni desacompasado incluso cuando está en reposo o caminando, conduciendo o trabajando. Intuitivamente y, sólo basado en mi experiencia, diría que hay una correspondencia entre la atención en la música y el “tono” físico general. Como, insisto, no me baso en ninguna aseveración científica, no hay forma de comprobar qué es. ¿El ritmo cardíaco, la respiración, el tono muscular, alguna corriente eléctrica cerebral? Yo lo he vivido de forma clara en algunas ocasiones:
Escuchando los discos de Coltrane de los 60.
Escuchando la música de Popol Vuh.
Escuchando este disco de Atrio Serenade, donde no sólo sentí una correspondencia música-cuerpo, sino que, además, como la música de Popol Vuh, también influyó en la contemplación del paisaje (que eran simples hojas verdes de árbol meciéndose al viento). Es curioso porque esta correspondencia ya apareció desde el primer track, cuyas referencias sonoras no estan tan próximas a grupo de Florian Fricke pero que, creo, se vuelven claras en su último tema: “Visiones del Paraíso”. (Computermusineix)

sábado, 15 de abril de 2017

ÁUREA - Dennis Mateis - (AL040)

ref: AL040

Autor: Dennis Mateis
título: Áurea

Plantilla:
Dennis Mateis - sintes y guitarra
Ana Rodríguez López - voz 
Patricio Sandoval - voz y flauta-bansuri
Yasmina Mas Reyes - coros
Brisa Blu - voz
Lina 2000 A.C. - voz
Tomi Kumpulainen - electrónica
Estíbaliz Blanco - cuencos tibetanos
Ricardo Marichal - saxo tenor





El descubrimiento del  misterio que ronda tras la Proporción Áurea siempre será un hito en la biografía de cualquier persona. Admirar por primera vez el panorama que representa un número que de tan concreto resulta incomprensible, y que se aparece de forma espontánea para regir todo lo que está vivo y crece, siempre inspirará la imaginación del artista y del científico a partes iguales.

El músico Dennis Mateis (conocido en Alina Records por el excepcional dúo SINAVISAR con el saxofonista Ricardo Marichal) es una de estas anonadadas personas con la suficiente capacidad creativa para llevar a buen fin un proyecto musical basado en lo áureo, en la capacidad que este “número implícito” manifiesta para generar creatividad nueva, bajo la pauta de esas “tradiciones de pensamiento” que se nos pierden en el horizonte del pasado remoto…

Áurea es un experimento colectivo, batutado por Mateis, en el que se afronta el hecho de lo áureo con naturalidad e inspiración. Desde la armonía hasta el pulso, todo está investido del misterio y el abismo que se nos presenta al ser conscientes de que existe un número que nos fuga al infinito, desde un concepto tan concreto. Dennis Mateis no duda en confiar a sus compañeras tinerfeñas las sutiles melodizaciones y los extensos paisajes improvisados que abundan en este trabajo sonoro: un exigente reto que solo cultivadas voces pueden llevar a cabo. La isla de Tenerife puede presumir de esa cálida sonoridad en la voz de sus gentes, nativas de una profunda multiculturalidad.

La escucha atenta de Áura nos transportará, invadirá nuestro sentir a cada vuelta de espiral. Descargárselo y ponerlo entre nuestros discos de cabecera será una decisión acertada que nos ofrecerá ratos de paz y de interiorización.




Otras publicaciones de Dennis Mateis en Alina Records:


Ricardo Marichal Comenta:

"Se me ocurren un millón de formas para construir una base armónica, por ejemplo: crear una escala a partir de estampar tu firma en un pentagrama, o usando la gramática: los nombres de los que forman un grupo musical para crear una sucesión de ritmos; el azar; el dodecafonismo, etc.... En esta ocasión es un gran honor para mi, poder presentar al universo, una obra de mi compañero de aventuras en SINAVISAR Dennis Mateis llamada Áurea, con la característica de usar la escala con dicho nombre de la cual es el Autor. En este caso no es tu ego, tu nombre, tu firma, ni ninguna teoría, de las cuales hay para aburrir. Hablamos de la sintonía de la prosperidad, a partir de la sucesión de Fibonacci. Podríamos enunciar como ESTRENO MUNDIAL DE LA ESCALA MUSICAL ÁUREA. Esto no es una broma aunque lo parezca, es un gran acontecimiento que además tengo el placer de participar en el. Felicitando a Dennis Mateis por esta obra maestra y agradeciéndole haya contado conmigo en este proyecto. Aquí tienen un enlace con mas información y más abajo el enlace de Alina Records, donde podrán descargarse la música, si les gusta claro..."